arnaud maïsetti | carnets

Claire Tabouret | « des présences fantomatiques », sur France Culture

arnaud maïsetti — 2013-10-09T15:09:19Z

Pour accompagner son exposition à Paris, à la Galerie Isabelle Gounod — PROSÔPON [1]—, Claire Tabouret est invité de La Vignette, sur France Culture.

L'occasion pour elle de parler de son désir de peinture, et comment il s'ancre loin, l'enfance, comment il prend appui sur le paysage, et des motifs qui s'en arrachent ; et comment est venu s'affronter un rapport politique au monde et à ses images, Lampedusa et les printemps populaires de 2011.

À écouter ci-dessous — et prolonger la découverte avec le livre édité par publie.net : ses peintures et le texte de l'écrivain Léa Bismuth en regard.

[1] jusqu'au 31 octobre

Léa Bismuth & Claire Tabouret | L'espoir des spectres

arnaud maïsetti — 2013-10-03T08:36:40Z

« Des spectres ?
Des figures de l'oubli.
Des particules de temps.
Dis leur de rester parmi nous, de respirer encore un peu, de bien garder leur souffle pendant leur lente remontée à la surface. »

LB.

Parution ce jour, et très fier, de L'Espoir des Spectres, aux éditions Publie.net, dans la collection Portfolios — et encore une fois, grand merci à Roxane Lecomte pour l'élaboration de l'ePub. C'est d'abord un désir de Jérémy Liron, compagnon de route dans l'aventure Portfolios : celui de solliciter la plasticienne Claire Tabouret, dont il suit le travail depuis quelque temps, pour un livre. Au printemps, je découvre les peintures de Claire à l'occasion de son exposition Les Insoumis — des visages, des regards qui dévisagent surtout et retournent sur nous les questions qu'on pourrait déposer : l'affront, le défi, et sur tout cela, à travers (ou emportée par) la netteté des visages, l'inscription d'une étrangeté, d'un onirisme qui tient du souvenir perdu ou de l'invention d'un corps autre (le vertige de l'autoportrait en série, sur fond noir). Une puissance de deuil — non sa mélancolie, mais la dignité d'une résilience.

Décision prise de proposer à Claire Tabouret un portfolio sur son travail récent (œuvre en perpétuelle mouvance) — pour le texte, je sollicite comme une évidence Léa Bismuth. Auteur, critique, photographe, Léa approche l'art et son écriture comme on affronte un monde intérieur : et quand il s'agit de l'écrire, c'est pour rêver une appartenance à des formes vives, qui rendent vivants en retour. Je savais, connaissant de longtemps son travail (d'écriture, textuelle ou plastique) que Léa pourrait proposer regard neuf sur ces regards. Et si elles occupaient chacune un territoire de langue et d'imaginaire, quelque chose comme une relation d'intensité pouvait traverser, des œuvres de Claire à l'écriture de Léa.

Léa nous envoie, quelques mois après, une lettre, adressée à Claire. C'est cette lettre que nous publions ici, en regard des œuvres de Claire.

Une lettre écrite entre Paris, l'Amérique, d'autres ailleurs encore : une lettre qui voyage dans l'éloignement des visages, visages qui sont comme une centralité autour de laquelle on va, en laquelle on retourne. Une loi de gravité personnelle et intime. Dans l'adresse, c'est nous même qui sommes dévisagés aussi : une adresse qui fore en nous la question même de ces visages, qui rejoue d'une certaine manière la perception première pour la déplacer.

Le livre est disponible sur toutes les plateformes de téléchargements :
— sur le site de Publie.net
— notre distributeur, l'immatériel
— mais aussi les traditionnels Itunes, Fnac, Amazon, etc.
— La notice sur Gallica est même déjà prête.

Si le travail de Claire Tabouret et de Léa Bismuth dialoguent si puissamment, c'est dans la mesure d'une puissance à l'œuvre dans ce que l'art aujourd'hui a de plus précieux : l'amitié qui lie nos solitudes, l'inquiétude face au monde, la sursaut pour y faire face, l'interrogation continuelle qu'on lui porte comme on aiderait un corps dans ses convulsions mêmes à lui inventer des souvenirs capables de croire encore à la possibilité du présent.

Merci de soutenir ces forces à l'œuvre [1] : lire ces textes, se passer le mot qu'ils existent, est une manière aussi – poétique, politique – de faire d'une position de regard une façon de choisir le monde.

Présentation par Jérémie Liron

C'est une façon de la mémoire : on remonte à soi des morceaux de scènes où l'on se voit jouer, rire à l'objectif, adossé à une barrière ou l'air absent, regardant vaguement au-dedans de soi dans un costume étriqué à la manière du Gilles de Watteau.

Les souvenirs ne sont pas des scènes enregistrées subjectivement par la caméra de nos yeux, mais des images que celui que nous sommes aujourd'hui observe par-dessus l'épaule de celui qu'il était autrefois et qu'il a perdu. Nous sentons bien qu'ici un certain retournement nous regarde. Des paysages, des visages saisis dans leur silence et pourtant comme au bord de se dire. Le deuil que l'on fait de soi-même à chaque instant. Ou plutôt que l'on ne parvient pas à faire, revenant toujours trop tard sur ce mouvement intime qui nous échappe. C'est ce qui hante nos figures.

Ce qu'aura constamment recherché Sebald, regardant « des photographies ou des films documentaires de la guerre », des archives de toutes sortes dans « le silence qui règne sur les ruines », c'est ce « déficit » que lui laisse l'arrière-plan de sa propre vie. Né un an avant la fin de la guerre, il lui semble que c'est de là qu'il vient et que « tombe sur [lui], venu[e] de cette ère d'atrocités [qu'il n'aura] pas vécu[e] une ombre à laquelle [il n'arrivera] jamais à [se] soustraire tout à fait ».

Pareil silence obscur règne sur nos souvenirs. On ne sait jamais tout à fait de quelle fabrique ils sont issus, ce qu'ils écrivent. Ils lèvent à nos regards des armées de personnages comme chaque jour se lève devant nos yeux l'étrangeté de notre nouveau visage.

Il m'a toujours semblé que c'était ce genre de « destins secrets » vers lesquels Claire Tabouret orientait sa peinture. En sondant, dans une grisaille soutenue par des teintes vives (Claire Tabouret peint l'ombre depuis la lumière, à l'inverse de peintres qui partent de l'obscur pour gagner progressivement en clarté), quelque chose comme les rêves de ces spectres.

De manière de plus en plus évidente ces dernières années, avec la prééminence des portraits d'enfants dont certains lui ressemblent (images d'enfance, parents ?) et les autoportraits initiés lors d'une résidence en Chine et dont elle dit qu'ils lui sont une manière chaque jour de se retrouver, elle semble engagée dans une sorte de Bilderatlas Mnemosyne à la manière d'Aby Warburg, un montage d'images pour un atlas de la mémoire. On l'imagine comme Austerlitz, le personnage du roman de Sebald, attablée devant les documents comme à une patience : « Il les étalait face en bas, comme pour une réussite, et ensuite, chaque fois étonné par ce qu'il découvrait, il les retournait une à une, tantôt les déplaçait, les superposait selon un ordre dicté par leur air de famille, tantôt les retirait du jeu jusqu'à ce qu'il ne reste plus que la surface grise de la table ou bien qu'il soit contraint, épuisé par son travail de réflexion et de mémoire, de s'allonger sur l'ottomane. » Dans ce travail de plis, de déplis et de replis, de retournements qu'a très justement saisi Léa Bismuth jusqu'à en faire l'expérience pour elle-même, les images de Claire Tabouret suspendent le déroulement du récit, marquent un temps. À la manière des « fictions réalistes » de Sebald, elles désignent une réversibilité de la fiction et de la réalité. N'y a-t-il de fiction qu'enracinée dans la réalité ? Et de réalités que celles susceptibles à chaque instant de prendre des allures de fictions ? « Les souvenirs sont-ils des constructions comme les rêves ou les fantasmes ? Les souvenirs existent-ils ? Dans quelles marges inaccessibles sont-ils donc retenus, à l'abri de quelle folie ? », semblent-elles demander avec insistance.

Naturellement, le texte par lequel Léa Bismuth accompagne ces figures anonymes d'acteurs de l'histoire s'accorde aux mouvements du temps, aux confessions que l'on fait aux journaux intimes ou aux lettres quand ceux-ci mélangent ce que l'on se dit à soi-même et ce que l'on confie à d'autres. Écrivant, elle s'en remet à cette fragilité, avouant des larmes, des rires, le blanc des neiges, la solitude. Elle se demande alors ce que rejoignent en elle ces figures peintes, cette petite fille bandée qui interrompt son jeu, « immobilisée dans une chorégraphie muette ». Et c'est en lisant Proust qu'elle retrouve l'ambiguïté de ces images dont on ne sait si elles émergent de la mémoire ou de rêves. « Les images choisies par le souvenir sont aussi arbitraires, aussi étroites, aussi insaisissables que celles que l'imagination avait formées et la réalité détruites. »

Ponctué de ces extraits de La Recherche, le texte de Léa Bismuth adopte la forme des vertiges de l'introspection, cheminant au bord des cavités abruptes de la mémoire.

Ce que ces fillettes, ces fratries, ces silhouettes anonymes disent pour soi c'est la perte ; comment une part de nous s'engouffre dans les abîmes du temps et comment cette part justement réclame qu'on la rêve.

Ces quelques pages n'expliquent pas, ne prétendent pas à l'analyse des images mais, faites-en l'expérience, lorsque vous revenez aux tableaux, il vous semble y lire un peu plus qu'avant. Collées les unes aux autres, scellées dans la nuit du livre, lettres et images semblent réciproquement avoir abandonné leurs reflets, comme ces cartes que l'on retrouve coincées aux pages de vieux ouvrages et que l'humidité et le temps ont imprimées en demi-teintes sur le texte.

Jérémy LIRON

[1] À l'occasion de la sortie du livre, une lecture est organisée ce samedi 5 octobre, à 18h, à la Galerie Gounod à Paris, où a lieu une exposition des dernières œuvres de Claire Tabouret – lecture, discussion, et partage : merci de nous accompagner dans ces partages-là, aussi.

Plus d'informations à venir !

Agostini & Liron | Chaque œuvre cherche après ce qui la fonde

arnaud maïsetti — 2010-09-01T15:42:49Z

Huitième texte dans la collection Arts et Portfolio de publienet que je coordonne avec Jérémy Liron :
à voir sur le site de Publie.net - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique).
Merci de nous soutenir…

Le huitième ouvrage de la collection portfolio (en un an d'existence) présente quelques aspects du travail du peintre Philippe Agostini : des toiles, en atelier ou en exposition, et un texte de Jérémy Liron qui les mettent en perspective. Si les tableaux parlent pour eux-mêmes, possèdent une évidence qui échappe autant à la figuration qu'à leur description, l'échange qui se noue entre J. Liron et les œuvres de P. Agostini tient autant d'une interrogation sur la nature de ce travail que d'une relation à elle, relation critique et, faut-il le dire, affective.

C'est qu'il s'agit ici de deux peintres, et que le regard porté par Liron est nécessairement celui d'un artiste plongé aussi dans ce travail avec/contre la matière, la ligne, la figure — de là le frottement de deux regards (l'un regardant, l'autre regardé : mais selon quel point de vue ?) qui font fonctionner la peinture comme pratique, et non pas seulement comme objet clos, discipline définitivement énoncée par ceux qui se prétendent seuls dépositaires de son histoire.

Ainsi le texte, travaillant de l'intérieur la question posée aux toiles (ou élaborée par elles), dépasse-t-il de loin le strict cadre qu'il se donne au début pour traverser, à travers Agostini, un questionnement plus global sur la nature du geste pictural : c'est alors toute une puissance du signe peint qui se donne lire — une tentative de généalogie sans origine de la figure, en tout cas, sans origine déterminée, puisant dans l'origine mouvante, archétypale, immanente, tout un foisonnement de lignes surgies pour celui-là même qui les composent. Ce qui se dessine deviendrait à la fois une confluence entre jonction des origines et appel à l'inconnu au-devant de soi : sujet plié dans la matière qu'il constitue, qui le constitue.

Si Jérémy Liron appelle à lui la pensée, décisive sur ces questions, de Deleuze, c'est à Michaux qu'on pense aussi — cette épaisseur de signes indéchiffrables dont on se met en quête et qu'on ne fait que prolonger, vie dans les plis.

Jérémy Liron, au centre de son texte, rencontre la figure du nœud pour rejoindre les toiles de Philippe Agostini : le nœud comme notion propice à nommer ce qui se joue dans le rapport à la toile et au monde qu'elle envisage — et à notre tour, lecteur, de considérer le nœud de cette relation, de se placer dans ce nœud-là du livre, entre une écriture et un geste, celui de nommer et celui de peindre, sans que l'un ne préexiste à l'autre.

Scanreigh & Dupuy | Tondi

arnaud maïsetti — 2010-04-21T07:58:13Z

Cinquième texte dans la collection Arts et Portfolio de Publienet que je coordonne avec Jérémy Liron : à voir sur le site de Publie.net - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique). Merci de nous soutenir…

Tondi, Jean-Marc Scanreigh (dessins), Armand Dupuy (texte).
PDF, 28 pages.
ISBN 978-2-8145-0317-5.
Les 11 premières pages à feuilleter librement ci-dessus.
Téléchargement texte intégral 5,50 euros.

On se demande d'où vient le tondo. On en a peu en tête : la vierge à la chaise de Raphaël avec ses manières, un triple autoportrait de Johannes Gumpp, un Michel-Ange. On pense aux oculus perçant aux rotondes un morceau de ciel infini et à ces décors peints imitant ces mêmes percées dans des raccourcis audacieux. La chambre des époux de Mantegna, à Mantoue. On pense à ces miroirs flamands courbant le monde dans leurs reflets. Et incidemment au visage de méduse dans le poli du bouclier de Persée.

Sans doute les tondi de Scanreigh conservent-t-ils ces échos multiples puisés dans cette histoire subjective dont les peintres accompagnent leurs audaces. Autant qu'ils évoquent plus prosaïquement quelque chose d'un siphon ou de ces plaques ou coupelles dans lesquelles frayent les bactéries à l'aplomb des lentilles du chercheur.

Quand Armand Dupuy évoque à propos de la peinture de Scanreigh un « dos », « fatras sans nom, boule marécageuse, falaise ou bête féroce », on est tenté de bricoler pour soi une image de méduse, une face qui grouille prise dans la confusion du reflet courbe d'un bouclier à l'image du monde qu'il clos sur lui-même : Une image pétrifiante, aveuglante, excédant les mots que l'on voudrait tendre pour s'en saisir.

J. Liron

Si sur les cartes anciennes, la représentation du monde prend la forme circulaire d'un tondo, c'est peut-être parce que tel était le point de vue évident de la totalité : le réel dans sa nudité offerte, coupe latérale d'une terre exposée dans un déroulé circulaire ; aujourd'hui, ce que nous propose le globe vise moins une objectivité qu'une suppression du point de vue...

Et quand on retrouve le geste du tondo, qu'est ce qui décape tant le regard ? Qu'est ce qui change dans l'appréhension qu'on a de cette forme, et du monde en regard ?

Dans le tondo, on embrasse immédiatement le point de vue d'une verticalité supérieure, englobante ; perspective en surplomb qui ne peut être que celle d'une transcendance irradiante. Malgré moi, cela m'évoque les vers de Manset, pour Bashung : « À voir le monde de si haut / Comme un damier, comme un légo / Comme un imputrescible légo / Comme un insecte mais sur le dos ».

Cette vision retournée, ce dos exposé et mouvant, surpris presque dans ses déplacements, c'est précisément celle de ces tondi — mais le coup de force de Scanreigh résiderait précisément dans cette volonté de neutraliser l'objectivité : en contournant la figuration totalisante, on assiste à une sorte d'immanence sans origine, sans point de vue — de là le silence que ces toiles nous impose ; silence si profondément et justement interrogé par le texte d'Armand Dupuy qui rejoint, via Beckett (et peut-être Blanchot ?) le désastre d'un regard qui nous adresse en retour un innommable irréductible : le bruissement d'un monde retourné, à la fois exposé et retranché, tout en même temps délivré et déchiré.

A. Maïsetti

Armand Dupuy, né en 1979 à L'Arbresle, près de Lyon, a collaboré à de nombreuses revues et publié plusieurs textes poétiques, notamment distances et dehors / hors de / horde (2008), en avant les et [9'32/Pollock->http://publie.net/tnc/spip.php?article204] (2009) aux éditions publie.net. Les paensements d'Arrière-arrière-grand-maman a été publié en 2009 chez Animal graphique et L'évidence feuilletée d'un monde et être et sont à paraître aux éditions Nuit Myrtide et la Rivière échappée très prochainement. Il a également fondé les éditions Mots Tessons.
Jean-Marc Scanreigh, né en 1950, est peintre, dessinateur, graveur et éditeur de livres d'artiste. Il collabore avec de nombreux auteurs comme en témoignent les catalogues raisonnés édités par la bibliothèque de Lyon en 1988 et « Livres à l'envi » par Mémoire Active en 2004. Une monographie sur sa peinture, « Pour un Scanreigh historié » avec un portrait littéraire de Jacques Jouet est édité par le même éditeur en 2008.
Scanreigh vit actuellement à Nîmes où le Musée des Beaux Arts l'a invité en 2009 à investir la rotonde pour une exposition consacrée à ses tondi. La Bibliothèque du Carré d'Art présentera en 2011 une rétrospective de son oeuvre gravé.