arnaud maïsetti | carnets

Éric Rondepierre | L'Hypothèse (Publie.net)

arnaud maïsetti — 2024-12-02T19:30:00Z

30 novembre 2024 :
La disparition d'Eric Rondepierre, cet automne, laisse ce vide que déposent les artistes, ce manque à la mesure de leur œuvre, soudain brutalement close sur elle-même qui laisse apparaître cruellement une totalité. Comment rassembler le travail d'Eric Rondepierre, photographe, plasticien, poète, penseur de l'image et archéologue de leur mémoire en nous ? Sa mort ouvre aussi d'autres vies : j'apprends qu'il fut aussi, dans les années 1970, acteur, chef de troupe, homme de théâtre traversé par la pensée d'Artaud, répondant à l'appel du Double. D'Éric Rondepierre, nous avions publié en 2019 aux éditions Publie.net [1] avec Jérémie Liron sa fascinante Hypothèse faite d'images brûlées, réassemblées, éventrées et plus vives alors. Toute une scène intérieure, jetée. Elle demeure là, persiste, comme une image toujours sur le point de ne pas mourir et comme ce qui conjure l'angle mort de la vie, et de la mort. Éric Rondepierre avait 74 ans. Un hommage lui est rendu ces jours d'automne 2024 au Centre National des Arts Plastiques. Je remonte ici cette page ouverte au moment de la parution du livre.

16 octobre 2019 : Deuxième texte de la collection Arts et Portfolio de Publienet que je coordonne avec Jérémy Liron : à voir sur le site et la page du livre - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique)...

Deuxième titre de la collection Art & Portfolio sur Publie.net : L'Hypothèse, du plasticien Éric Rondepierre.
Les vingt premières pages sont à feuilleter en accès libre via le calaméo sur la page du livre, ici ; et pour aller plus loin, soutenir publie.net et sa coopérative d'auteurs, le livre est disponible à l'achat sur cette page, ou via les différents abonnements proposés :

Eric Rondepierre nous fait l'amitié, et c'est pour nous une grande fierté, de nous confier ce livre de photos et de textes qui revient sur son oeuvre : vingt ans de travail sur la photographie et le film, mais aussi sur l'écriture — réflexion en forme de quête d'un film manquant, dont ce livre est, pour une part, le désir.

Qu'est ce qui demeure dans une image quand on la prive de mouvement ? Et qu'on la garde, ainsi déplacée dans l'immobile d'une page, récit coupé du monde ? Qu'on la regarde enfin, et qu'on l'écrive, dans l'espace manquant entre le film et ce qui lui donnerait sens ? Le travail de Rondepierre, en décapant les formes mortes du film, prélève et travaille l'image du cinéma non comme une image prélevée seulement, mais manquante : manque du film autour, manque de l'image qui pourrait achever le film (le mettre à mort).

L'Hypothèse que propose Rondepierre à la collection Portfolio de publie.net (et c'est pour nous marque de confiance et d'encouragement que nous fait l'artiste en confiant ce travail à cette jeune collection) est traversée fulgurante à la fois d'un travail personnel entrepris depuis près de vingt ans, et traversée diffuse de ce qu'on aimerait nommer histoire(s) du cinéma, si le titre n'avait pas déjà été celui utilisé il y a quelques années par Godard. Traversée non pas latérale, mais en profondeur, dans les entrailles de ce qui fait l'image et défait le récit cinématographique : le montage, la ligne, le mouvement. Traversée non de son histoire, mais des histoires que dépose chaque image d'un film qui dirait l'histoire même de l'origine de l'image. Traversée de chaque image, fouillée, éventrée, creusée d'autres images sans doute, dans l'excédent apporté de la griffure ou de l'exposition : creuset multiple des morts et des renaissances qui peuplent l'image.

Sur un espace court et puissamment dominé, ce que l'artiste traverse également, c'est son propre regard devant l'image cinématographique, et c'est l'écriture qui en retour recueille ce regard pour l'écrire littéralement, déterminer ce qui, entre le regard et l'image manque aussi. Si on a voulu que cette collection joue l'articulation d'un travail plastique et d'un travail d'écriture, Eric Rondepierre travaille précisément la plasticité de l'écriture dans les réseaux secrets constitués entre chaque page, et l'écriture de l'image dans ce qu'elle peut raconter, isolément.

L'hypothèse d'un manque à partir de laquelle se construit cette traversée est le levier quasi-hypnotique qui conduit autant l'écriture que la lecture : ce qui manque, c'est toujours ce qui achèverait le tout ; le film qui manque, c'est celui qui reste à faire, celui qui donnera sens à ceux qui ont été faits, celui qui achèvera l'origine autant que la fin. L'hypothèse : et si ce manque était toujours ce mouvement qui donne naissance à l'image, et si la traversée (de l'écriture, de la lecture) était ce geste au-devant du manque pour le maintenir à l'état de manque, c'est-à-dire finalement, d'appel ? Évocation trouble et mouvante, peut-être, de ce que disait René Char lorsqu'il écrivait « Le poème est l'amour réalisé du désir demeuré désir »

Arnaud Maïsetti

Artiste et écrivain, Eric Rondepierre à réalisé de nombreuses expositions en France et à l'étranger et publié plusieurs livres aux éditions du Seuil (Placement, La nuit Cinéma), Léo Scheer (Toujours rien sur Robert, Carnets) et Filigranes (Contrebandes, Apartés, Moires) notamment. Son travail est présent dans les plus prestigieuses collections internationales, le Moma New York, le Centre Pompidou Paris, le FNAC et à inspiré de nombreux textes et articles de la part d'auteurs tels que Daniel Arasse, Jean-Max Collard, Bernard Comment, Philippe Dagen, Hubert Damisch, Catherine Millet ou encore Marie-José Mondzain. Il enseigne à Paris 1 depuis 1996.

Attiré dès ses années de formation autant du côté du texte que de l'image, comédien, performer, c'est au début des années 90 qu'Eric Rondepierre commence à explorer les « angles morts » du dispositif cinématographique extrayant des photogrammes prélevés à la continuité fugace des séquences pour les donner à voir comme un monde caché du film. Rapidement cette activité se double et se complète de celle d'écrire : les livres d'Eric Rondepierre, mêlant la fiction à l'autobiographie et revenant avec insistance sur ses obsessions de plasticien, accompagnent et prolongent l'exploration de sa vie un peu comme on tâte dans l'obscurité les parois d'une pièce pour s'en figurer les volumes. Dans L'Hypothèse, livre réalisé à l'invitation de Publie.net, « L'auteur s'arrête quelques instants sur vingt ans de production photographique et contemple son œuvre. Une sorte de traversée narcissique du miroir qui est aussi une plongée à l'intérieur d'un film qui manque. »

Jérémy Liron

Site personnel de Éric Rondepierre
Présentation de l'artiste sur le site du CERAP de l'Université Paris 1

échos de ce livre sur internet, avec les retours de :
– Erwann Perrin, sur Paris Photographies
– Muriel Berthou Crestey, surVite vu, le blog de la société française de photographie

[1] Et gratitude de nouveau à l'égard de François Bon, pour avoir permis l'aventure, et à Guillaume Vissac ensuite, et Roxane Lecomte, pour l'avoir prolongé autant que possible…

THTR | Lettres à Barbara Métais-Chastanier

arnaud maïsetti — 2018-02-11T15:48:25Z

Pour accompagner la parution de Il n'y pas de certitude, suivi de La Femme® n'existe pas ? de Barbara Métais-Chastanier, ces lettres écrites et adressées à l'autrice, entre juillet dernier et février – lettres parues sur le site de Publie.net, que je reprends ici.

Lire l'article de parution

Comment parler de ces deux monologues, Il n'y a pas de certitude, et La Femme® n'existe pas ? Monologues qui sont deux adresses, terriblement adressées à nous-mêmes et au monde, et qui exigent une réponse – monologues qui, loin d'être des paroles de solitudes, appellent. Cette réponse, je n'ai pu l'écrire qu'en adressant des lettres, au fil de ma lecture (puisque ce sont des monologues qui appellent aussi à leur relecture), entre cet été et aujourd'hui. Autour, le monde bruit de mille secousses. Il faut lui répondre aussi. Lettres qui voudraient en répondre.

Avignon, le 19 juillet 2017,

Barbara,

je t'écris depuis Avignon, sa fournaise épileptique, ses discussions comme s'y jouaient l'avenir du monde, ses ratages pour rien, ses bières tièdes, la solitude. Je suis rue des teinturiers et te lis depuis deux heures, de nouveau, te relisant dans l'émotion intacte de la première fois, et même redoublée, malgré le soin d'avoir préparé cette lecture intérieurement ce matin, mais il faut croire que c'est toujours une expérience, et singulière, de te lire. Je jette quelques mots ici — parce que je te les dois, je me les dois. Une expérience parce que, évidemment, je ne sais rien de ce dont le texte, je crois, témoigne dans son motif, son propos, et sans doute aussi dans tout ce qui t'aura conduit à en mener l'écriture, à en être contrainte : être un homme face à ton texte dévisage, me place puissamment dans ce qu'il ya d'irréductible en soi, rend impossible la reconnaissance, l'identification. Je ne sais comment cela doit jouer, pour une femme, pour une jeune femme : et sans doute n'est-ce pas une bonne question, ou une question juste, et pourtant : ton texte, l'endroit là où il fore et fraie, s'engage dans ces enjeux de l'identité au lieu où précisément j'en suis arraché, et c'est cela qui me semble si essentiel, si terrible aussi, si juste. Parce que si tu vas dans ces espaces de l'identité pour les mettre en pièce, tu défais aussi toute assignation, tout endroit d'où ça parlerait, vers où ça rétablirait quelque chose de soi, de l'autre. […] Et ce qui est le plus juste : de ne rien concéder à un universel qui ferait de l'homme la femme, et le désir un maître-mot slogan qui vaudrait pour n'importe quel corps, la vie pour la mort, toutes ces choses qu'on renverse comme un gant, mais que tu maintiens, dans des devenirs magnifiques, des commencements toujours (La Femme® n'existe pas me bouleverse tant pour cela, et toujours différemment.) Échange avec D*** mardi sur l'adresse : il me dit qu'il lui est désormais impossible de regarder un spectacle s'il n'y avait pas au cœur du propos et de la forme une adresse. Et ton adresse est puissante, Barbara, et tendre et fragile, parce qu'elle ne cesse de s'établir à travers nous (« le théâtre à travers les larmes » ?). Je ne suis pas le tu auquel s'adresse le je, et je le sais et le mesure à chaque ligne : ce qui exige de moi, pour entendre, à la fois à inventer ce tu, et lui ménager une place, en moi, aberrante (« folle de folie »), qui vient peu à peu me dévorer et m'arracher à moi, ENFIN. Et puis il y a des pages qui affrontent, dans les yeux, la vie quand elle est inacceptable. L'inacceptable de la vie, et cette rage de l'inventer autre : comme elle emporte. Si « l'amour est à réinventer », c'est à chaque mot, sans doute, et chaque jour que cela se rejoue, parce qu'avec l'amour c'est la possibilité de l'autre qui se propose, rend possible et habitable le monde, qui commence par deux, « comme l'éternité ». Et si l'amour fait mal, c'est aussi parce que les salauds qui gouvernent ce réel ont trafiqué les mots en nous jusqu'à nous faire croire que dans le mot était l'amour […] J'ai traversé la lecture de tes deux textes comme une page pliée : d'un côté et de l'autre, quelque chose en miroir se renverse — mais je ne sais ce qui est l'endroit de l'envers, et le reflet de son image. […]

Marseille, le 20 janvier 2018,

Barbara,

Je reprends cette lettre qui restera inachevée – comme toujours et c'est aussi pour cela que je t'écris –, relisant de nouveau tes deux monologues dans le vent glacial de Marseille qui pourrait tout emporter (et c'est encore une autre expérience après Avignon, une expérience cette fois de l'emportement et de la fragilité comme le vent, et comme le vent quelque chose qui pourrait soudain tout faire cesser, quelque chose dont on pressent qu'il était là avant et continuera après nous), cet emportement, c'est cela que j'éprouve soudain à ta lecture. J'avais lu dans l'urgence de la rage, cet été, mais sous le vent la rage s'ouvre infiniment à un autre temps, plus long, plus terrible aussi peut-être, plus serein. Dans l'époque sinistre que nous vivons, où qu'on porte le regard, tout semble une lâcheté ou une violence – les affaires, # metoo, les tribunes et les contre-tribunes qui s'écrivent et redoublent l'abjection par la traitrise, l'aveuglement, où tout se mélange et se confond (la séduction et l'agression, l'art, la morale, la justice, la représentation et l'expérience réelle de la douleur) –, oui, tout complote pour l'aveuglement. Ici, on refuse de voir les violences commises ; là, on refuse de voir combien la responsabilité de l'art n'est pas morale, mais politique. Te lire, c'est se trouver face à un regard qui plonge ses yeux dans cette époque et en retour nous permet de voir, de voir mieux : mots qui nous dévisagent en nous donnant la capacité de dévisager le monde. Regard de biais pourtant sur l'époque, un biais vengeur, franc, un biais direct. Te lire en contrepoint de l'époque, c'est voir s'emporter les soubresauts grotesques des positions réactionnaires, voir l'ajustement de la violence là où elle peut être féconde, reprendre possession de la vie qui partout semble reculer. Rêvant autour de l'invention du Bikini, cette marque et cette île nucléarisée, tu écris « Je voudrais comprendre ce passage / le mot de la violence nucléaire / le mot qui signe l'entrée dans l'âge de la destruction massive / devenu le mot donné à la beauté sidérante / à l'imaginaire plastique de la libération et de l'asservissement de la femme. » Ce passage que le monde opère pour violer par le langage ce qui resterait de beauté – celle des ailleurs, de la terre, désormais défigurée par le pire –, il est nécessaire d'y répondre par un autre passage, de renverser par le langage l'asservissement en émancipation, la laideur par une beauté qui ne serait pas sidérante et paralysante, mais mobile, mobilisante, convulsive. C'est – je crois –, ce passage, dangereux et mince, que tu l'empruntes, voles et emportes avec toi, et confies pour qu'on le vole à notre tour, dans l'emportement.

Aix, le 6 février 2018

Barbara,

Je te lis encore : « combien de fois peut-on combien de fois être mis à mort et renaître de son corps combien de fois revivre combien de fois à genoux le fusil du maître placé sur la tempe combien de fois recommencer se dire ça recommence pour que ça continue combien de fois peut-on combien de fois abdiquer voir l'autre abdiquer combien de fois le couteau et la plaie combien de fois fournir le sang à celui qui fourbit ses armes combien de fois peut-on combien de fois ouvrir et refermer la porte sans arracher les gonds combien de fois la nuit dans nos nuits combien de fois le présent braqué dans nos yeux » – et te relisant, je songe (non, pas songe : mais pense) à ce que commence ton texte, en nous, à ce qu'il fait surgir de commencements qui sont autant de ruptures, à cette nécessité des ruptures qui est la tâche, peut-être, historique de notre génération : qu'il faudra rompre et rompre encore pour commencer, rompre et faire rompre, rompre (avec) des gestes et des regards posés sur nous comme des mains plus ou moins baladeuses, et rompre avec les mains, pour rompre (avec) des mots et des pensées figées dans l'esprit du temps qui les prend pour la nature des choses, rompre avec la nature des choses qui prend les choses pour les mots, et les corps pour des objets, et les objets pour la satisfaction immédiate du désir, et les désirs pour des réalités, et ces réalités pour des biens de consommation à usage immédiat, et cet usage pour l'asservissement de tous à soi, et soi pour le centre du monde — rompre avec le centre et avec le monde, si ce centre et ce monde sont ceux-là qui justifient les asservissements –, rompre encore : et se dire que le commencement n'aura lieu qu'au prix de ces ruptures. Et que naissent les commencements qui seraient enfin ceux de notre désir, choisir des lieux où naître, des identités neuves qui seraient enfin les nôtres, des corps qui ne seraient plus ceux des identités de papier, et recommencer cette vie, combien de fois.

Marseille, le 7 février 2018,

Barbara,

ce mot de colère ce matin : ce soulèvement au nom d'une blessure faite à la vie, d'un outrage commis à cela qui nous blesse, ce refus absolu par quoi on prend la parole, non pour nous-même, mais précisément contre le monde qui s'organise, cette parole qui se fait justement parce qu'elle considère que le monde fait défaut, qu'il manque, qu'il nous dépossède de ce qu'on estime le plus précieux en nous – ce mot de colère donc, qui vient, qui ne cesse pas, qui, te lisant, se renouvèle et s'affermit, donne des forces.

THTR | Lendemain de Joseph Danan

arnaud maïsetti — 2016-12-14T11:02:53Z

Parution aujourd'hui du sixième texte de la collection THTR que je co-dirige avec Christophe Triau aux éditions Publie.net. Après Figures Nues de Amin Erfani, Jusqu'à ce que et Balivernes hivernales de JY, Dehors Dedans de Arnaud Rykner, et l'essai sur le théâtre de Christiane Jatahy, heureux de voir naître ce jour Lendemain de Joseph Danan.

Une pièce somme, une sorte de traversée des formes théâtrales mais aussi des secousses de notre temps. Une langue minée par des langages qui l'irriguent. Et une jubilation de lecture, dans l'inquiétude qu'elle suscite aussi en regard de notre histoire.

Lendemain, de Joseph Danan, en disponible en version numérique et en version papier : voir en ligne la page du livre sur la librairie Publie.net

Présentation

L'histoire commence toujours après la fin : on le sait bien. C'est donc au lendemain que commence la pièce : lendemain de fête et de liesse, 13 juillet 1998, un pays célèbre une victoire sportive comme jadis une conquête militaire, dans l'illusion d'une union qu'on prétend sacrée. Sadwell Hall, lui, a choisi cette nuit pour disparaître. On est le lendemain de ce mystère autour duquel s'agrègent les énigmes, et d'abord celle-ci : qui est-il ? On sait seulement qu'il a disparu, et cela suffit pour commencer l'histoire.

Lendemain s'ouvre comme une enquête policière, mais c'est une fausse piste – c'est d'autres disparitions qui surtout ouvriront la pièce en mille directions. Les repères se brouillent, et ce décor de récit policier se révèle bientôt pour ce qu'il est : un décor pour des figures en attente d'une histoire, des ombres pleines de nous-mêmes, tout un théâtre qui se replie sur notre présent.

Car ce qu'on lit peu à peu, imperceptiblement, semble une traversée du théâtre et de notre époque, double traversée l'un par l'autre, et l'une par l'autre dévisagée. Pièce de tous les théâtres, et théâtre qui met en pièces l'écriture même du théâtre, Lendemain possède souffle romanesque et lancées lyriques dans une épaisseur qui met au défi la scène de s'en emparer.

Il faudrait une nuit de théâtre, dit son auteur. On se réveillerait le lendemain, avec cette histoire traversée joyeusement et terriblement, ces théâtres qui implosent et ces êtres qui cherchent dans la nuit à disparaître pour renaître. On serait après. On serait maintenant.
Dans cette course ample à travers les deux dernières décennies, Joseph Danan dessine une généalogie de nos secousses présentes, ces terreurs et ces joies qui signent notre appartenance à ces jours, où les Coupes du Monde de football sont nos événements historiques, qui scandent désormais notre rapport au temps presque autant que des attentats : où depuis vingt-ans, rien ne semble avoir eu lieu que cette imminence dont le texte porte la charge et accomplit.

Et dans l'écriture qui vient porter le fer aux conventions, sociales, politiques, théâtrales, une manière à la fois de s'affronter au présent, et un geste qui voudrait déborder notre époque par elle-même. Puis dans ce geste, on entend ce qui sourd, est latent, tacite, un soulèvement possible (et face au refus de faire « miroiter les différentes facettes du cauchemar », une façon de le dévisager, de lui faire face, aussi).
« Toujours nous serons les habitants de ce lendemain / inhabitable », dit l'Auteur dans le cinquième épisode de la pièce – peut-être faut-il le croire, et venir peupler ce qui se lève autour de nous à mesure que, lisant, nous faisons l'exploration de ce temps impossible qui est le nôtre.

Extrait

comment sort-on d'ici ? / comment sort-on de la nuit ? / savez-vous où est l'issue ? / vous connaissez ma langue ? / connaissez-la pour moi / moi je ne la connais pas / je l'ai oubliée / parlez-moi ma langue
et lui / Pianoman / parlant la langue de la musique / perlant ses notes sur le Steinway / sans fin / sans fatigue / comme si son être exténué n'était plus que musique / entrant en communication avec quels mondes
errant / traversant des rues et des ponts / des quais / des maisons / avançant dans la nuit / passant à travers les murs et les langues / longeant des chantiers / des immeubles en démolition / des grues se détachent sur le fond noir du ciel
là-bas
s'enfonçant encore / dans la touffeur / dans la moiteur qui ne sèche pas ses vêtements / je voudrais dormir et me réveiller
égaré une deuxième fois / recouvert par le
temps réel
les prix du pétrole et Paris feuilleton olympique
la septième victoire annoncée d'Armstrong dans le Tour / et les bombes
notre pain quotidien
s'approchant de notre porte
Londres puis Charm el-Cheikh
puis où vous voudrez / n'importe où dans le monde

Publie.Noël | abonnement & soutien

arnaud maïsetti — 2015-12-24T09:11:50Z

Merci de nous soutenir…
Nos offres pour cette fin d'année – en lien direct sur le site Publie.net.

Du 19 décembre au 5 janvier

ABONNEMENT

C'est donc Nöel. Pour chaque abonnement au catalogue numérique, recevez un livre papier à choisir parmi notre sélection (en fonction des stocks disponibles) ainsi qu'un livre numérique en avant-première (parmi la sélection).

Conditions : cette offre est valable pour l'abonnement classique à 99€ ou l'abonnement de soutien à 135€. Envoi des livres à partir du 5 janvier. Offre valable pour les nouveaux abonnés et les réabonnements.

Sélection de livres papier

— Femme à la nature morte, Jean-Pierre Suaudeau (25 exemplaires)
— Paris Futurs, anthologie (première édition en fascicule, 36 exemplaires)
— La Saga de Mô, de Michel Torres, tome 1 (3 exemplaires)
— La Saga de Mô, de Michel Torres, tome 2 (3 exemplaires)
— Abyssal Cabaret, de Maryse Hache (4 exemplaires)
— Monkey's requiem, de Matthieu Hervé (2 exemplaires)
— Trois guinées, de Virginia Woolf (nouvelle traduction de Jean-Yves Cotté) (2 exemplaires)
— Une pièce à soi, de Virginia Woolf (nouvelle traduction de Jean-Yves Cotté) (3 exemplaires)
— Journal de la crise, Laurent Grisel (4 exemplaires)
— Les héritiers de l'inégalité, Philippe Ripoll (1 exemplaire)
— Les je-sais-pas-pantoute, de Sarah Maude Beauchesne (1 exemplaire)
— Marge, de Josée Marcotte (1 exemplaire)
— Magma, de Lionel-Edouard Martin (1 exemplaire)
— Ali & Ramadan, de Canan Marasligil (1 exemplaire)
— L'emportement, d'André Markowicz (1 exemplaire)
— Questions d'importance, de Claude Ponti (1 exemplaire)
— Elles en premier toujours, Jacques Serena (1 exemplaire)

Livres numériques en avant-première

— Balivernes hivernales, JY [Théâtre, parution officielle 8 janvier]
— Oblique, de Christine Jeanney [Littérature contemporaine, parution officielle 10 février]
— Avant que la ville brûle, Cosmas Politis, traduction Michel Volkovitch [Publie.Grèce, parution officielle 24 février]

ABONNEMENT

Du 25 au 30 décembre

QUIZZ

Répondez aux questions posées sur le fil publie.net
— TWITTER
— FACEBOOK
et participez au tirage au sort qui aura lieu le 31 décembre.

Durée du quizz : 25 décembre à partir de midi jusqu'au 30 décembre à midi.

Les réponses se trouvent sur le site publie.net et plus particulièrement dans la section BLOG…
Six gagnants pourront choisir entre recevoir Paris Futurs (1ère édition en fascicule) ou Femme à la nature morte ou un livre numérique en avant-première parmi cette sélection :

Enjeux numériques pour les écritures théâtrales

arnaud maïsetti — 2015-04-17T12:17:00Z

Communication, à l'invitation de Sylvain Diaz et Sandrine Le Pors, lors du colloque À l'écoute des écritures théâtrales émergentes depuis 2000, à Strasbourg, le 15 avril 2015.

Hypothèses de travail, sur un projet en cours : ThTr, sur Publie.net.

Le programme du colloque :

Enjeux numériques : où comment le numérique peut être un espace d'invention en même temps qu'un outil susceptible de lever, d'appeler des écritures nouvelles. Et si « les inventions d'inconnu réclament des formes nouvelles », dans quelle mesure l'espace numérique pourrait être davantage qu'un refuge, mais un territoire de conquête, éditorial et esthétique, où pourraient s'expérimenter des modes d'approches neuves du langage théâtral ? – En somme, le texte numérique comme dispositif et comme condition d'émergence (d'existence – d'expérience) : dispositif éditorial, mais aussi plastique, sensible, politique : l'ouverture d'une nouvelle ligne de front.

Tâche ici de lier les deux :
- celui de l'espace littéraire,
- et celui des outils renouvelés par l'écriture numérique.
Enjeux numériques donc : enjeux poétiques et enjeux politiques pour trouver à la fois des espaces communs et des langues, des syntaxes et des armes forgées pour l'époque qui l'exige, pas seulement pour lui répondre, aussi pour s'y affronter.

Deux aspects : qui seront surtout des hypothèses de travail plutôt qu'une théorisation, et surtout la formulation à voix haute d'expérimentations en cours, sans souci d'aucun horizon formel homogène – mais où le seul horizon serait l'amitié de mener à quelques-uns ces expérimentations – sans volonté aussi de prétendre prophétiser sur des mouvements qui sont toujours des franchissements de seuils plutôt que des ruptures (leçon apprise depuis 10 ans de web : la seule loi est celle de l'imprédictible, dans un environnement où le pouvoir tente de légiférer avec toujours le retard d'un usage au moins, où les acteurs sont soit des géants de l'économie mondialisée, soit des artisans qui fabriquent leurs livres à mains nues ou presque).

Hypothèses et expérimentations – à ce titre, dans ce premier temps (celui de l'espace numérique pour les écritures théâtrales), je présenterai le projet et les formes données à un travail éditorial récent : une collection de textes de théâtre accueillis aux éditions numériques publie.net.

Un mot sur ces éditions : fondées en 2008 par l'écrivain François Bon, dans un paysage numérique alors déjà solide, bien qu'émergent, publie.net est alors l'une des premières structures d'éditions pure player. François Bon avait pour lui 10 ans déjà de travail en ligne, avec la revue pour les textes contemporains remue.net, ou son atelier personnel tierslivre.net, puissante architecture de puissante incitation, et la volonté de fédérer autour de lui un collectif pour diffuser, défendre et accompagner des démarches nées pour la plupart sur le web : dans un contexte éditorial déjà en grande difficulté, où les revues disparaissaient peu à peu – et ne pouvaient jouer leurs rôles des décennies précédentes, durant lesquels elles avaient été laboratoires de nouvelles écritures ; où beaucoup de maisons d'édition se repliaient en renonçant à faire leur travail de défricheur, où la presse s'homogénéisait en parlant de la même manière des mêmes livres, il s'agissait de défendre des écritures nées pour la plupart sur le web dans des blogs ou sites qui semblaient une part vive de la création.
À côté de quelques reprises de textes du domaine public, publie.net éditaient donc des écritures contemporaines, expérimentales souvent, non romanesques.
Très tôt, ces éditions s'étoilaient en différentes collections, qui obéissaient moins à une logique de genre que de formats : des ultras bref, des textes avec images ou sons, collections de plasticiens, de photographes : collections confiées à des directeurs de collection, autonomes dans la gestion de celles-ci – à tel point qu'aujourd'hui, François Bon a pris du recul dans la gestion au quotidien des éditions publie.net., laissant aux bons soins de Gwen Catala la direction de la structure.

Précisions : ces différents directeurs de collection comme l'ensemble de l'équipe éditoriale (et comme François Bon lui-même) ne sont pas éditeurs de métier ou de nature, mais auteurs avant tout, ou plutôt éditeurs en tant qu'auteurs : à ce titre, les éditions publie.net ne sont pas tant une structure éditoriale qu'une coopérative d'auteurs pour le texte contemporain.
L'ambition : assembler en un seul espace, les maillons de la chaîne du livre : auteur, éditeur, libraire, imprimeur… — en somme, renouer avec ce que faisait le bon libraire Lemerre, cher aux Parnassiens.

Membre de l'équipe éditoriale, j'ai proposé d'ouvrir une nouvelle collection de textes de théâtre, ThTr,qui s'est ouverte le 8 avril – collection que je dirige avec Christophe Triau, maître de conférences en études théâtres à Paris X (intervient auprès des élèves du TNS), dramaturge au NEST de Thionville. Quelques lignes écrites ensemble pour présenter le projet de la collection :

« La collection ThTr publie des textes pour le théâtre aujourd'hui — matériaux pour la scène, essais, critiques, monographies, entretiens… Thtr défend des textes qui affrontent notre présent ou le questionnent par le théâtre : des écritures pour qui le théâtre n'est pas un espace de plus, mais un territoire qui rend plus brûlantes encore ces questions, l'urgence du présent dans la mise à l'épreuve du passé, la possibilité de reprendre possession de ses forces et de le réinventer. »

Textes pour le théâtre, donc, sur tous les plans : des essais et des textes à jouer, textes théoriques et critiques, ou matériaux.

Un mot sur la ligne éditoriale : des textes qui placent au centre l'expérimentation : verbale et dramaturgique. En partage, un même souci du théâtre dans l'articulation ouverte entre ses moyens et notre présent : des textes unifiés non pas par la question du genre, mais par celui de son inquiétude, ou de son mouvement – où la question théâtrale serait moins générique que touchant à son énonciation, celle qui attaque la question de l'adresse, de la présence, et blesse la langue à l'endroit où elle s'élabore.

Il y aurait une certaine provocation à vouloir éditer / défendre des textes de théâtre, au moment où le théâtre pourrait sembler (en apparence) prendre le large du texte comme origine donnée et garant de la scène. Pour ThTr, c'est moins un retour au texte qu'on défendrait, qu'un déploiement qui existe déjà et qu'on voudrait, à notre mesure, accompagner.

Il nous semble que c'est parce cette origine est un mythe, ou une illusion, et la tension entre opsis et poiesis moins une alternative qu'une déchirure féconde que l'écriture est sans cesse rejouée et travaillée comme un devenir, un processus, et non une donnée amont, voire un pré-texte.

D'ailleurs, une part la plus vive des créations contemporaines (de Warlikowski au Radeau) paraissent travailler moins à la reconstitution d'un texte qu'à cette déchirure sans cesse rejouée, qui loin de récuser le texte pourtant le met en mouvement, en tension, en projet : montages, collages, improvisations, textes nés de recompositions collectives voire d'entretiens, documents, textes en forme de notes de régie, recomposés ou décomposés au plateau, textes traversés plutôt que rejoués ou représentés.
Les auteurs eux-mêmes tendent à refuser depuis des décennies de se soumettre à la forme théâtrale héritée de ses propres conventions – ré-invente, non pas à partir de rien, mais depuis un passé auquel ils ne sont pas subordonnés (un mot d'ordre pourrait : « notre héritage n'est précédé d'aucun testament »). Ils se sont affranchis de ce qui semblait signer le théâtre pour travailler à sa radicalité : des voix, peu sûres de leur corps, des adresses, des présences effectives, des fables en attente d'histoire (Müller), des dépouilles de temps ou des décharges (Gabilly), à l'image de la scène joyeusement saccagée du Radeau, où tout est matériel de récupération, ce que les autorités judiciaires pourraient nommer des armes par destination : des écritures donc qui résistent à la scène et à l'écriture elle-même, pour se poser en défi aux acteurs, aux metteurs, en scène, aux spectateurs, aux lecteurs – le texte numérique comme champ de bataille, de déploiement, ou champ de ruine aussi (si la ruine est aussi matériau de construction)
Cet affranchissement, que je peine à voir comme une crise - mot qui pourtant revient souvent pour qualifier tels aspects de ces écritures, mot qui dit mal combien il s'agit d'une libération joyeuse, car pour beaucoup c'est d'une pensée libérée de la crise qui s'invente –, peu d'éditeurs pour les accompagner. Le temps est partout à la fragilité – économique –, et évidemment, on peut comprendre que beaucoup s'appuient sur ce qui déjà est consolidé.

Puis, quand un texte paraît, c'est souvent pour accompagner des spectacles déjà financés, produits, joués. Certains comités de lecture lisent des textes déjà édités ; et même les comités de lecture se donnent à lire les mêmes textes (le CNT met en circulation ses textes). Peut-on parler de circulation ?

C'est en tous cas un cercle impossible dans lequel la création tend à s'enfermer : les textes qui devraient appeler à la scène ne sont pas publiés parce qu'ils n'ont pas de scène où jouer : et ne sont joués que des textes déjà aidés, ou installés, déjà lus, accompagnés.

Comment des écritures peuvent-elles émerger / être visibles et circuler – c'est-à-dire être entendus, discutés, échangés ? Il y a des festivals pour de jeunes écritures, et des paris sur des scènes ouvertes : elles existent, on en a eu une belle expérience hier. Mais les textes ne sont pas pour autant diffusés. Où puis-je lire le texte d'hier ? Et le faire lire ? Et pour les auteurs, l'écart est dramatique : quand les textes sont publiés, c'est deux ou trois ans après leur écriture. On est déjà ailleurs, plus loin.

La collection Thtr naît de ce constat, cherche à répondre à un triple enjeu : faire entendre et lire des écritures nouvelles ; faire lire des textes rapidement (trois mois entre la réception et la publication) ; appeler à la mise en relation des écritures et des scènes. À ces enjeux se superpose celui de mettre ces textes en réflexion, cette création en perspective. C'est pourquoi on publiera aussi des textes théoriques et critiques, avec ce projet : que la création n'a de sens que si elle permet aussi de rendre lisibles les champs de force qui la constituent et qu'elle met en chantier.

Pas d'édition hors-sol, et on s'attachera à défendre des textes non par la diffusion seulement, mais aussi l'appui : accompagnement par des lectures / performances ; soutien à la création de sites d'auteurs ; présentation lors de festivals… Cet été, lors du festival d'Avignon, une présentation de la collection est prévue avec des lectures dans le cadre du projet qui associe L'Insensé, site de critique sur les arts de la scène, et la BNF / Maison Jean-Vilar.

Réponse politique, donc – qui est le sens de cette collection : ou comment certains textes, de création ou d'essais, peuvent nous permettre de nommer ce que sont les secousses de notre présent, et de forer les failles où tisser des relations neuves, et surtout d'organiser les forces pour le monde qui vient, qui est là déjà. Chercher des langues qui puissent faire entendre un contre-chant à la langue normée, ordonnée, réglée du Monde ; participer à lever des capacités (Olivier Neveux) ; reconquérir des territoires de fiction, intimes autant que communs, qui ne soient pas ceux de l'origine identitaire, mais du devenir absolument autre.
À ce jour, sont publiées trois pièces :
— Échantillons de l'homme de moins de Mathieu Mével (accueillis d'abord sur publie.net dès 2008, puis édités par l'Entretemps, papier)
— Jusqu'à ce que, première pièce de JY.
— Figures nues, recueil de quatre monologues d'Amin Errani

Et l'essai de Christophe Bident, Koltès Généalogies, d'abord édités par Farrago, qui n'existe plus, Bident a récupéré ses droits et nous a confié le livre, disponible en version numérique et papier (en POD) – comme le seront les textes de la collection Thtr.

Chaque texte est précédé d'une courte note rédigée par un Lecteur : pour le texte de JY, Claude Régy, et pour celui d'Amin Erfani, Valère Novarina nous ont fait l'amitié de rédiger ces notes, sensibles, affectives, en échos singuliers avec leur travail.
Puis, les auteurs, librement, proposent eux-mêmes, une présentation de leur texte : façon d'exposer pour eux aussi ce qui a guidé un travail, ce qu'il ouvre en soi-même pour celui qui l'écrit.

Occasion d'engager le deuxième temps de mon propos – en forme de conclusion ouverte aussi –, touchant au numérique comme outil de reconfiguration de la langue. Il ne s'agit pas en effet de croire que le net n'est qu'un espace de dépôt, un simple support. C'est bien plutôt un champ de force qui affecte la lecture et l'écriture, parce qu'elle affecte la phrase conçue pour elle, comme la page, ou la structure d'une pièce, permet de concevoir des dramaturgies échappées de l'espace clôturé du livre, puisque c'est le livre lui-même, sa clôture et ligne, qui est attaquée de fait par l'espace numérique.
Je voudrais lire en ce sens le très court texte d'Amin Erfani qui ouvre ses Figures Nues :

« L'écriture théâtrale qui définit ces textes n'est aucunement régie par les lois du genre dramatique. Elle opère au contraire à la genèse de l'écriture, quelle qu'elle soit. Traversée d'énoncés performatifs plutôt que mimétiques, elle œuvre davantage à jeter de l'ombre, par sa simple énonciation, que de la lumière sur le propos de son énoncé. Elle appelle la matérialité immédiate de la langue plus qu'elle ne cherche à s'effacer par transparence linguistique. Cette théâtralité rappelle aussi le lien le plus intime qu'entretient l'écriture à l'art plastique. Elle conjure la plasticité de la langue originelle, fébrile, parsemée de nerfs, lésée de part et d'autre, sensible. Elle manie la matière de la langue pour mieux la travailler du dedans. Après Artaud, Novarina, ou peut-être même Koltès, il n'est plus question de refouler la dimension profondément tactile de l'écriture, autant sur le plan lexical que syntactique. Il y a surtout urgence à affirmer cette pression subie par la langue qui bute contre ce qui ne cesse de lui résister. L'écriture se façonne alors par cette résistance intérieure, adoptant une forme et une texture toutes singulières, par éruptions rythmiques, successives, imprévisibles. »

Amin Erfani me semble ici nommer une part des enjeux de l'écriture théâtrale numérique.

Dans les débats qui accompagnent souvent le numérique, on parle encore aveuglement d'opposition entre papier et web, de mort du livre, ou d'avenir d'on ne sait quelle littérature – sans voir qu'il y a aussi peu de cadavres que d'avenir, mais seulement du présent chaque jour, et pas davantage d'opposition qu'un triple prolongement dans le sens accru d'une intensité, d'une plasticité, d'une radicalité

C'est ce mouvement selon les lignes de forces dégagées par Sébastien Rongierque saisit là Amin Errani.

— intensité de la langue puisqu'elle n'est plus soumise à l'échelle de la page, mais actualise à chacun de ses points sa réalisation, qu'elle ne se déroule pas dans l'espace d'un livre, mais se produit sur la même surface avec laquelle nous parvient la rumeur du monde, au lieu d'articulation du temps réel et de l'archive, d'une toile bruissante des nouvelles à chaque seconde et des correspondes privées, sa bibliothèque et son courrier, sa musique et la musique de l'autre, anonyme ou amis, surface miroitant paroles d'opposants et d'alliés. Le texte numérique intervient, interrompt ou relance : et de fait, entre en résonance immédiate, cherche même à provoquer la relation au monde (comme un adversaire), appelle via liens, hypertextes, ou suscite l'ouverture de fenêtres, conduit à l'errance et à la mulitplication, à l'ouverture, à l'exil du texte et à l'approche des formes par lesquels nous parvient le monde, pour mieux se les approprier ou s'en défaire.
— Plasticité, au sens où Catherine Malabou l'entend comme une « structure différentielle de la forme ». La plasticité est ici le trait général de la malléabilité, un espace de tension qui fait tenir ensemble l'hétérogène. Dans le texte numérique, la langue travaille à appeler ce qui n'est pas de la langue – sons, images, structures –, et paraît être appelée à développer en elle-même cette altérité : langue formellement organisée comme plastique, à son degré de plus haute intensité, parce que le mot y est son propre terme et ce qui le produit.

En cela rejoint-on la radicalité : cet arasement de la langue, au nerf le plus vif, mise à nu jusqu'à faire le vide de ce qui parle, où la plasticité n'est pas loin du plastiquage.

L'écriture numérique n'est pas une rupture – elle ne naît pas de rien, mais poursuit un mouvement. Au juste, chaque saut technique a travaillé l'écriture de l'intérieur, de sorte qu'on ne sait plus si c'est la technique qui a produit des écritures, ou si des écritures ont appelé à elles ces innovations techniques : voir comment Rabelais a travaillé avec les imprimeurs de son temps, dans un temps justement d'exploration technique qui renouvelaient en grande partie l'espace de la page, les rapports d'échelle, et l'élaboration des livres ; voir comment Mallarmé a pensé la page et avec elle le langage dans un autre temps de renouveau profond des modes de production du texte ; voir enfin comme une littérature peut naître et se diffuser en dehors même de son support, dans les Goulags ou les Camps, toute une poésie récitée et transmise d'un corps à l'autre. Le livre papier et imprimé tel que l'occident l'a conçu ces cinq derniers siècles n'est pas la forme figée de la pensée, mais une forme donnée dans l'Histoire d'un rapport au langage et au monde qui n'est ni figé ni achevé.

Quant au théâtre, il semble qu'une scène soit prête pour des écritures qui peuvent se passer par exemple de la linéarité, mais travailler sur des espaces circulaires, ou aléatoires – le livre numérique peut par exemple remettre en cause l'idée aristotélicienne du développement organique d'une œuvre depuis un début, jusqu'à sa fin. Des dramaturgies du cercle et de la reprise, de la courbe et de la répétition, ou plus simplement du hasard et de l'accident, sont envisageables, et même déjà entreprises – non pas que ce ne soit pas possible sur le papier, mais le numérique appelle immédiatement à l'affranchissement de la ligne orientée, la produit effectivement.

Il semble que des acteurs soient prêts pour accueillir une langue où la syntaxe serait sa propre mesure, parce que développée sur des espaces à la fois resserrés de la phrase sur laquelle revenir incessamment, et enveloppée théoriquement infiniment dans le temps, puisqu'affranchis d'une exigence éditoriale papier où le nombre de pages est comptée au poids.

Il semble que des spectateurs et des lecteurs soit prêts à recevoir des textes qui n'en sont pas seulement, mais qui pour eux-mêmes à la fois montages et fragments de réels composés en liens et par liens, sons, images, corps textuels désorganisés, car non plus hiérarchiques, voix et lignes, quelque chose qui serait tout ensemble trou dans une profondeur, et ouverture latérale de fenêtres à fenêtres ; plateau où le théâtre n'est plus le signe d'une identité à lui-même, mais une manière de recevoir des paroles et des signes qui s'affranchissent des identités, corporelles et textuelles, du langage ou du silence, de la solitude de la lecture à l'appel d'une commune présence pour reprendre possession de cette présence, et de notre présent.

Colloque | À l'écoute des écritures théâtrales depuis 2000 (à Strasbourg)

arnaud maïsetti — 2015-04-12T17:41:20Z

Les 13, 14 & 15 avril 2015, colloque organisé à l'université de Strasbourg sur les poétiques et conditions d'émergence des écritures pour la scène – journées organisées par Sylvain Diaz et Sandrine Le Pors, à l'université de Strasbourg et au TNS, avec Écritures du Contemporain, la Revue Agôn et l'École National Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre.

J'y présenterai la nouvelle collection de textes de théâtre, ThTr, aux éditions numériques publie.net – enjeux poétiques, enjeux esthétiques, enjeux politiques.

Merci à Sylvain Diaz pour l'invitation

Publie.net | ThTr — une collection théâtrale

arnaud maïsetti — 2015-03-24T09:48:14Z

La semaine prochaine, lancement d'une nouvelle collection sur publie.net : une collection consacrée au théâtre contemporain, dans toutes ses formes – manuscrits pour la scène ; textes théoriques et critiques ; monographies ; essais ; entretiens…

L'édition théâtrale souffre peut-être davantage que d'autres, dans un contexte qui est déjà à l'essoufflement. Cela tient sans doute à la fragilité même de sa nature, où le théâtre appelle avant tout à la scène, où le texte n'est qu'une part de son geste. Et si on ne possède que des fragments d'Eschyle, si les pièces classiques du XVIIe s. ont d'abord été des copies pirates, si l'édition même de ces derniers n'avait souvent pour but seulement que de les devancer, c'est aussi autour du théâtre qu'on s'est posé avec tant d'acuité la question de l'écriture non pas seulement en terme de droits (mais la naissance de l'auteur lui est contemporaine, pas de hasard dans des époques où il s'agissait aussi d'assigner un texte à un garant), mais aussi symboliquement : l'espace de la scène paraît celui de la diffusion des sens, là où tous ceux qui sur le plateau disent je est précisément l'endroit où l'auteur s'absente de ce je pour le confier.

Aujourd'hui, la fragilité touche à l'économie du livre même : et davantage. Textes peu sûrs de la scène ; textes recomposés au plateau ; textes collectifs nourris d'improvisations et de montage ; textes en forme de note de régie ; textes partitions – partout, dans les écritures les plus vives de notre théâtre, le texte résiste à la scène et au texte lui-même, se pose en défi aux acteurs, à l'écriture.

Mais à côté de cette vivacité qui bouleverse, peu d'éditeurs aujourd'hui pour les accompagner – le temps est partout à la fragilité, et évidemment, on peut comprendre que beaucoup s'appuient sur ce qui déjà est consolidé. Puis, quand un texte paraît, c'est souvent pour accompagner des spectacles déjà financés, produits, joués. Quid des textes en attente d'histoire, comme disait H. Müller ?

C'est un cercle impossible dans lequel la création tend à s'enfermer : les textes qui devraient appeler à la scène ne sont pas publiés parce qu'ils n'ont pas de scène où jouer : et sont joués seulement des textes déjà aidés, ou installer. Comment des écritures peuvent-elles émerger ? Il y a des festivals pour de jeunes écritures, et des paris sur des scènes ouvertes : elles existent. Mais les textes ne sont pas pour autant diffusés.

Quand ils le sont, c'est deux ou trois ans après leur écriture. On est déjà ailleurs, plus loin.

Triple enjeu : faire entendre et lire des écritures ; faire circuler des textes ; appeler à la mise en relation des écritures et des scènes. À ces enjeux se superpose celui de mettre ces textes en réflexion : cette création en perspective. La collection publiera ainsi des textes théoriques et critiques dans cette visée : que la création n'a de sens que si elle permet aussi de rendre lisibles les champs de force qui la constituent et qu'elle met en chantier.

C'est pourquoi on s'attachera à défendre des textes par la diffusion, mais aussi l'appui : accompagnement par des lectures / performances ; soutien à la création de sites d'auteurs ; présentation lors de festivals… Cet été, lors du festival d'Avignon, une présentation de la collection est d'ores et déjà prévue avec des lectures dans le cadre du projet qui associe L'Insensé, site de critique sur les arts de la scène, et la BNF Maison Jean-Vilar. Je présenterai également la collection et les enjeux des écritures théâtrales numériques lors d'un colloque à Strasbourg sur les écritures contemporaines, le 13 avril. Plus d'informations bientôt.

La collection ouvre ses portes le 8 avril. Plusieurs textes en préparation : on y reviendra. Chaque texte est accompagné d'une courte introduction par un lecteur. En avril, deux textes pour le plateau seront proposés : Jusqu'à ce que, première pièce de JY. (préface de Claude Régy) ; et Figures Nues des monologues de l'écrivain et traducteur Amin Errani (préface de Valère Novarina). D'autres suivront.

Je codirige cette collection avec Christophe Triau, enseignant et dramaturge. Une page dédiée à la collection est d'ores et déjà ouvert. Merci à Roxane Lecomte pour l'invention graphique et la préparation éditoriale – et à Gwen Catala et toute l'équipe de Publie.net, pour les risques pris, et la confiance donnée.

Ci-dessous, texte de présentation de la collection ; et l'avertissement au lecteur rédigé pour son texte par Amin Erfani, manifeste pourrait valoir pour les textes que l'on défendra.

« La collection ThTr publie des textes pour le théâtre aujourd'hui — matériaux pour la scène, essais, critiques, monographies, entretiens… Thtr défend des textes qui affrontent notre présent ou le questionnent par le théâtre : des écritures pour qui le théâtre n'est pas un espace de plus, mais un territoire qui rend plus brûlantes encore ces questions, l'urgence du présent dans la mise à l'épreuve du passé, la possibilité de reprendre possession de ses forces et de le réinventer. »

Arnaud Maïsetti et Christophe Triau

« L'écriture théâtrale qui définit ces textes n'est aucunement régie par les lois du genre dramatique. Elle opère au contraire à la genèse de l'écriture, quelle qu'elle soit. Traversée d'énoncés performatifs plutôt que mimétiques, elle œuvre davantage à jeter de l'ombre, par sa simple énonciation, que de la lumière sur le propos de son énoncé. Elle appelle la matérialité immédiate de la langue plus qu'elle ne cherche à s'effacer par transparence linguistique. Cette théâtralité rappelle aussi le lien le plus intime qu'entretient l'écriture à l'art plastique. Elle conjure la plasticité de la langue originelle, fébrile, parsemée de nerfs, lésée de part et d'autre, sensible. Elle manie la matière de la langue pour mieux la travailler du dedans. Après Artaud, Novarina, ou peut-être même Koltès, il n'est plus question de refouler la dimension profondément tactile de l'écriture, autant sur le plan lexical que syntactique. Il y a surtout urgence à affirmer cette pression subie par la langue qui bute contre ce qui ne cesse de lui résister. L'écriture se façonne alors par cette résistance intérieure, adoptant une forme et une texture toutes singulières, par éruptions rythmiques, successives, imprévisibles. »

Amin Erfani, pour présenter Figures nues

Publie.net | février 2015

2015-02-08T16:20:52Z

Bulletin d'informatin — par Gwen Catala et l'équipe Publie.net

France transie de froid, repliée sur elle-même, chahutée politiquement, économiquement, et France blessée, tout juste un mois après que l'impensable ait été commis.

France qui s'interroge, se questionne, même si pas toujours de la bonne manière…

Ce réflexe du tous ensemble, ne risque-t-il pas d'exciter notre propension au communautarisme, annihilant toute la beauté qu'offre une multiplicité de visages, langages, opinions et religions ?

Le piège de l'uniformisation et du bien commun, s'il peut être louable sous certains aspects, ne peut faire oublier qu'il n'y a de meilleur enrichissement que la diversité.

La littérature en est un parfait exemple, osant aborder l'inimaginable, croisement de l'innommable et du sublime, bousculant d'une tirade toutes nos certitudes.

Depuis la création des éditions publie.net, toute l'équipe est présente et unie pour vous proposer ce que la création numérique et la littérature contemporaine composent de plus percutant.

Qu'ils soient simples soutiens, directeurs de collection ou auteurs, tous donnent leur cœur et de leur temps, encourageant avec passion cette diversité qui nous est si chère, vous proposant textes et créations comme autant de teintes, accents et intonations d'un monde qui s'entrechoque et interloque.

Une telle aventure représente un travail considérable — plus de trente nouveautés par an —, mais quelle passion !

Et là où certains seraient tentés d'y voir un simple catalogue, j'y perçois un formidable reflet de nos sociétés, où l'interrogation de l'un vers l'autre, pour l'autre, mais aussi en soi prime sur l'uniformité et le bankable, pour reprendre un anglicisme bien connu de l'édition.

Une telle maison ne saurait vivre sans ses auteurs ni ne pourrait exister sans vous !

Voici donc, en ce mois de février 2015, une sélection de nos nouveautés et mises à jour. Vous y découvrirez un portrait de Clotilde Escalle, auteur de l'excellent ouvrage Les jeûneurs.

La maison évolue, s'adaptant à vos attentes. Notre catalogue se construit également sur la plateforme Medium (https://medium.com/@publienet), garantissant un confort de lecture et de découverte adapté à votre écran. Grâce à notre offre d'engagement annuel au catalogue numérique, les abonnés accèdent depuis quelques jours aux prochaines parutions en avant-premières, et d'ici peu, bénéficieront de ressources supplémentaires autour de nos titres grâce à notre site http://abonnes.publie.net/.

Un travail de fond légitime et nécessaire, avec la satisfaction qu'il bénéficie autant aux lecteurs qu'aux auteurs.

Je vous donne donc rendez-vous le mois prochain, prémisse d'un printemps qui s'annonce fort en nouveautés et surprises.

D'ici là, bonne lecture !

Littérairement vôtre,

Gwen Catalá & l'équipe publie.net

"Seul comme on ne peut pas le dire", Koltès | publie.net

arnaud maïsetti — 2014-04-02T21:55:00Z

Note du 2 avril 2014 : mise à jour du fichier numérique et nouvelle couverture par Roxane Lecomte, à partir d'une photographie prise au moment de la rédaction du texte, l'été 2006, quartier du Sentier.

Le livre est présenté sur la page du nouveau blog des éditions numériques publie.net

Il est disponible en papier et en numérique — on peut se le procurer sur le site de la librairie en ligne

Note initiale du 20 janvier 2009

En janvier 2008, lors du lancement de la coopérative d'auteurs pour le texte contemporain publie.net, son fondateur, François Bon, me demande l'essai que je lui avais fait lire l'été précédent — réécriture de mon mémoire de maîtrise sur le monologue de Bernard-Marie Koltès, La Nuit juste avant les forêts

Ce texte, qui a subi depuis plusieurs mises en page (remerciement à Sarah Cillaire), a été revu en novembre 2009 (avec une couverture de l'ami Jérémy Liron) : ce premier essai, c'est d'abord celui sur la langue d'un auteur qui incite en retour à l'écriture. C'est un essai sur sa propre langue aussi : et l'été suivant la soutenance, deux mois à l'écrire, cette lecture, dans l'élément même de ce geste : "tu tournais le coin de la rue lorsque je t'ai vu...".

Ensuite, le travail pouvait commencer, et il continue aujourd'hui, à partir de là.

Vous trouverez la présentation du texte sur le site publie.net.
Et pour se le procurer, merci de passer ici.

Présentation, par François Bon

Koltès est mort en avril 1989. Vingt ans plus tard, le bousculement qu'il inaugure agit non seulement sur l'univers du théâtre, mais l'ensemble du territoire romanesque.

Bousculement de la représentation, bousculement de contenus et de formes : toute une pièce dans un échange de regards, et la haute phrase des villes confiée à la nuit et à ceux qui la hantent.

Et le travail d'Arnaud Maisetti, entre fiction et théorie, entre livre et web, croise intimement cette recherche d'une prose lyrique, en prise avec la ville et sa nuit, hantée des voix qui en marquent la quête. Son site ArnaudMaisetti.net témoigne de ces pans différents de recherche, et comment ils se complètent.
« Seul comme on ne peut pas le dire » est la première monographie exclusivement consacrée à l'oeuvre de naissance de Bernard-Marie Koltès, le célèbre soliloque La Nuit juste avant les forêts. Ce livre en présente les différentes strates et composantes du bref mais fulgurant texte de Koltès. Il le resitue dans sa genèse, dans ses enjeux de théâtre, en examine l'architecture et le fonctionnement narratif (dernier chapitre sur la notion de fugue...).

Et, surtout, Arnaud Maïsetti resitue Koltès dans son champ de tension théorique, et on verra passer les ombres de Derrida et Blanchot, on examinera de très près le lien avec L'expérience intérieure de Bataille. Alors, au rebours presque de Koltès, les habitués de l'oeuvre pourront en faire comme une archéologie théorique, partir à la découverte de ces fissures actives ou sismiques de prose qui ont permis la naissance d'une oeuvre aussi atypique, aussi nécessaire.

Avant-Propos

De La Nuit juste avant les forêts, il faudrait parler comme d'une pièce creusée dans une langue que n'épuiserait jamais rien, au cœur d'une durée affranchie de son terme, don d'une présence enfin, qu'aucun espace ne saurait circonscrire – hors le corps même, le corps proféré d'un théâtre faisant violence à l'acte de lecture. Ainsi, davantage que de lecture – c'est avant tout d'écoute, d'apprentissage patient d'une parole et d'un geste, et surtout de reconnaissance dont il est question ici.

Prendre le risque de cette parole, c'est déjà, face à elle, écrire son expérience. Doubler l'expérience par celle de son écriture. C'est éviter la facilité de traduire – pour prendre le risque des territoires à investir de nouveau, mais de l'autre côté de la langue, de son envers. C'est en quelque sorte, ici, donner une chance à ce risque.

S'il s'agit d'aborder La Nuit juste avant les forêts seulement, c'est qu'il apparaît bien vite qu'existe une dramaturgie par pièce dans l'œuvre de Bernard-Marie Koltès. En prenant le parti de la profondeur contre la transversalité, de l'absolu contre le latéral, et de la langue contre le motif, une telle lecture prend surtout le parti de l'écriture contre tout ce qui pourrait y faire obstacle : contre l'idée englobante des œuvres surtout, qui les annule sous l'alibi de l'œuvre achevée, c'est-à-dire finalement morte. Le projet était d'entrer en profondeur aux endroits les plus mouvants de la langue, pénétrer dans l'acte même d'écriture et de profération, y déceler ses enjeux sur le monde. Pour une telle entrée en matière, le choix de La Nuit juste avant les forêts, ce monologue long d'une seule phrase, écrite pour Yves Ferry, et jouée par lui à Avignon en 1977 avec une mise en scène de Koltès, s'impose de lui-même.

D'une part parce qu'elle est sans doute la pièce la plus jouée – la plus lue aussi : « une pièce d'acteur », disait Koltès, jouée par ceux qui la font de l'intérieur, et à ce titre, une pièce fondamentale pour comprendre ce que l'écriture contemporaine doit à Koltès, ce que nous devons à Koltès du déplacement des forces qu'organisa de manière décisive son théâtre.

D'autre part, parce que cette pièce est dans l'esprit de son auteur la première pour laquelle il se mettait à écrire, véritablement. Même s'il ne s'agit pas strictement de la première qu'il ait écrite – en attestent les publications aujourd'hui à intervalles réguliers de nombreuses « pièces de jeunesse » – assurément celle-ci, selon ses propres mots, fut la première pour laquelle il lui apparut, violemment et définitivement, qu'il s'agissait d'écriture, de confrontation à la fois au monde et à la langue, dans le même geste adressé sur scène.

Écrire sur La Nuit juste avant les forêts, c'était donc une manière d'aborder pour la première fois une pièce de Koltès dans sa singularité, dans son unicité – en même temps qu'aborder avec Koltès ce geste augural qu'a figuré pour lui l'écriture de ce texte. Ecrire sur cette pièce, c'était finalement entrer dans cette solitude essentielle, acte de présence, puissance de reconnaissance – solitude en partage adressée, inaccessible, intraduisible ; c'est entendre de l'intérieur celui qui se penche, nous attrape le poignet à l'angle d'une rue et dans la nuit ouverte en deux, secrètement, force la langue à parler enfin, à fondre le possible dans l'impossible, dévoiler ce qui restait irrévélé dans le silence – « seul, comme on ne peut pas le dire ».

Claire Tabouret | « des présences fantomatiques », sur France Culture

arnaud maïsetti — 2013-10-09T15:09:19Z

Pour accompagner son exposition à Paris, à la Galerie Isabelle Gounod — PROSÔPON [1]—, Claire Tabouret est invité de La Vignette, sur France Culture.

L'occasion pour elle de parler de son désir de peinture, et comment il s'ancre loin, l'enfance, comment il prend appui sur le paysage, et des motifs qui s'en arrachent ; et comment est venu s'affronter un rapport politique au monde et à ses images, Lampedusa et les printemps populaires de 2011.

À écouter ci-dessous — et prolonger la découverte avec le livre édité par publie.net : ses peintures et le texte de l'écrivain Léa Bismuth en regard.

[1] jusqu'au 31 octobre