arnaud maïsetti | carnets

Éric Rondepierre | L'Hypothèse (Publie.net)

arnaud maïsetti — 2024-12-02T19:30:00Z

30 novembre 2024 :
La disparition d'Eric Rondepierre, cet automne, laisse ce vide que déposent les artistes, ce manque à la mesure de leur œuvre, soudain brutalement close sur elle-même qui laisse apparaître cruellement une totalité. Comment rassembler le travail d'Eric Rondepierre, photographe, plasticien, poète, penseur de l'image et archéologue de leur mémoire en nous ? Sa mort ouvre aussi d'autres vies : j'apprends qu'il fut aussi, dans les années 1970, acteur, chef de troupe, homme de théâtre traversé par la pensée d'Artaud, répondant à l'appel du Double. D'Éric Rondepierre, nous avions publié en 2019 aux éditions Publie.net [1] avec Jérémie Liron sa fascinante Hypothèse faite d'images brûlées, réassemblées, éventrées et plus vives alors. Toute une scène intérieure, jetée. Elle demeure là, persiste, comme une image toujours sur le point de ne pas mourir et comme ce qui conjure l'angle mort de la vie, et de la mort. Éric Rondepierre avait 74 ans. Un hommage lui est rendu ces jours d'automne 2024 au Centre National des Arts Plastiques. Je remonte ici cette page ouverte au moment de la parution du livre.

16 octobre 2019 : Deuxième texte de la collection Arts et Portfolio de Publienet que je coordonne avec Jérémy Liron : à voir sur le site et la page du livre - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique)...

Deuxième titre de la collection Art & Portfolio sur Publie.net : L'Hypothèse, du plasticien Éric Rondepierre.
Les vingt premières pages sont à feuilleter en accès libre via le calaméo sur la page du livre, ici ; et pour aller plus loin, soutenir publie.net et sa coopérative d'auteurs, le livre est disponible à l'achat sur cette page, ou via les différents abonnements proposés :

Eric Rondepierre nous fait l'amitié, et c'est pour nous une grande fierté, de nous confier ce livre de photos et de textes qui revient sur son oeuvre : vingt ans de travail sur la photographie et le film, mais aussi sur l'écriture — réflexion en forme de quête d'un film manquant, dont ce livre est, pour une part, le désir.

Qu'est ce qui demeure dans une image quand on la prive de mouvement ? Et qu'on la garde, ainsi déplacée dans l'immobile d'une page, récit coupé du monde ? Qu'on la regarde enfin, et qu'on l'écrive, dans l'espace manquant entre le film et ce qui lui donnerait sens ? Le travail de Rondepierre, en décapant les formes mortes du film, prélève et travaille l'image du cinéma non comme une image prélevée seulement, mais manquante : manque du film autour, manque de l'image qui pourrait achever le film (le mettre à mort).

L'Hypothèse que propose Rondepierre à la collection Portfolio de publie.net (et c'est pour nous marque de confiance et d'encouragement que nous fait l'artiste en confiant ce travail à cette jeune collection) est traversée fulgurante à la fois d'un travail personnel entrepris depuis près de vingt ans, et traversée diffuse de ce qu'on aimerait nommer histoire(s) du cinéma, si le titre n'avait pas déjà été celui utilisé il y a quelques années par Godard. Traversée non pas latérale, mais en profondeur, dans les entrailles de ce qui fait l'image et défait le récit cinématographique : le montage, la ligne, le mouvement. Traversée non de son histoire, mais des histoires que dépose chaque image d'un film qui dirait l'histoire même de l'origine de l'image. Traversée de chaque image, fouillée, éventrée, creusée d'autres images sans doute, dans l'excédent apporté de la griffure ou de l'exposition : creuset multiple des morts et des renaissances qui peuplent l'image.

Sur un espace court et puissamment dominé, ce que l'artiste traverse également, c'est son propre regard devant l'image cinématographique, et c'est l'écriture qui en retour recueille ce regard pour l'écrire littéralement, déterminer ce qui, entre le regard et l'image manque aussi. Si on a voulu que cette collection joue l'articulation d'un travail plastique et d'un travail d'écriture, Eric Rondepierre travaille précisément la plasticité de l'écriture dans les réseaux secrets constitués entre chaque page, et l'écriture de l'image dans ce qu'elle peut raconter, isolément.

L'hypothèse d'un manque à partir de laquelle se construit cette traversée est le levier quasi-hypnotique qui conduit autant l'écriture que la lecture : ce qui manque, c'est toujours ce qui achèverait le tout ; le film qui manque, c'est celui qui reste à faire, celui qui donnera sens à ceux qui ont été faits, celui qui achèvera l'origine autant que la fin. L'hypothèse : et si ce manque était toujours ce mouvement qui donne naissance à l'image, et si la traversée (de l'écriture, de la lecture) était ce geste au-devant du manque pour le maintenir à l'état de manque, c'est-à-dire finalement, d'appel ? Évocation trouble et mouvante, peut-être, de ce que disait René Char lorsqu'il écrivait « Le poème est l'amour réalisé du désir demeuré désir »

Arnaud Maïsetti

Artiste et écrivain, Eric Rondepierre à réalisé de nombreuses expositions en France et à l'étranger et publié plusieurs livres aux éditions du Seuil (Placement, La nuit Cinéma), Léo Scheer (Toujours rien sur Robert, Carnets) et Filigranes (Contrebandes, Apartés, Moires) notamment. Son travail est présent dans les plus prestigieuses collections internationales, le Moma New York, le Centre Pompidou Paris, le FNAC et à inspiré de nombreux textes et articles de la part d'auteurs tels que Daniel Arasse, Jean-Max Collard, Bernard Comment, Philippe Dagen, Hubert Damisch, Catherine Millet ou encore Marie-José Mondzain. Il enseigne à Paris 1 depuis 1996.

Attiré dès ses années de formation autant du côté du texte que de l'image, comédien, performer, c'est au début des années 90 qu'Eric Rondepierre commence à explorer les « angles morts » du dispositif cinématographique extrayant des photogrammes prélevés à la continuité fugace des séquences pour les donner à voir comme un monde caché du film. Rapidement cette activité se double et se complète de celle d'écrire : les livres d'Eric Rondepierre, mêlant la fiction à l'autobiographie et revenant avec insistance sur ses obsessions de plasticien, accompagnent et prolongent l'exploration de sa vie un peu comme on tâte dans l'obscurité les parois d'une pièce pour s'en figurer les volumes. Dans L'Hypothèse, livre réalisé à l'invitation de Publie.net, « L'auteur s'arrête quelques instants sur vingt ans de production photographique et contemple son œuvre. Une sorte de traversée narcissique du miroir qui est aussi une plongée à l'intérieur d'un film qui manque. »

Jérémy Liron

Site personnel de Éric Rondepierre
Présentation de l'artiste sur le site du CERAP de l'Université Paris 1

échos de ce livre sur internet, avec les retours de :
– Erwann Perrin, sur Paris Photographies
– Muriel Berthou Crestey, surVite vu, le blog de la société française de photographie

[1] Et gratitude de nouveau à l'égard de François Bon, pour avoir permis l'aventure, et à Guillaume Vissac ensuite, et Roxane Lecomte, pour l'avoir prolongé autant que possible…

Marie-Laure Hurault & Frédéric Khodja | Au canal

arnaud maïsetti — 2014-09-08T12:56:09Z

Il n'y a pas de rentrée littéraire. Il n'y a que des sorties intempestives d'ouvrages qui n'attendent pas leur tour pour venir intercepter le réel et un regard porté sur lui. Dans la collection portfolio, proposition d'un livre né, c'est la règle ici, d'une rencontre entre un écrivain (Marie-Laure Hurault, auteur notamment d'un très bel essai sur Blanchot et le principe de fiction, et un plasticien (Frédéric Khodja).

Dans ce dialogue entre textes et images, Marie-Laure Hurault propose une lente dérive mentale qui construit peu à peu une fiction à la puissance, où la peur et le fantasme conduisent, comme dans les rêves, à accomplir eux-même le trajet du récit, investir la charge symbolique des images et venir les peupler : comme si les fantômes qui habitent ces images et que l'on voudrait conjurer par le récit, c'est le récit lui-même qui leur donne corps, et esprit.

L'occasion, pour ce nouvel ouvrage, de saluer le nouveau site de notre collection — Jérémy Liron et moi sommes heureux de vous inciter à aller visiter le bel espace que nous a ouvert Roxane Lecompte (qui a réalisé l'ouvrage, comme tous ceux des collections publie.net) : c'est par ici…

Ce livre est disponible aux formats EPUB et MOBI sur toutes les plateformes de téléchargement habituelles et sur notre librairie en ligne publie.net. Soutenez la création contemporaine, osez Portfolios…

— Se procurer l'ouvrage : sur le site de la librairie publie.net

— Voir site de Frédéric Khodja
— Consulter les travaux et ouvrages de Marie-Laure Hurault
— Lire également un extrait du texte

— Et ci-dessous la présentation de l'ouvrage par Jérémy Liron

On n'évacue jamais la question du rapport du texte aux images, quand bien même on y revient, on la pratique. Peut-être est-ce même au fond la seule question : quelles images lève un texte ? Quelle forme de récit s'esquisse au-dedans, par-dessus, à travers les images ? Comment s'accordent en un livre qui les met en présence, c'est-à-dire dans notre expérience même du monde, ces deux régimes du lisible et du visible, ces deux temps du récit et de la présence ?

Sous le pont, dans les ombres, les bois gluants du bord de l'eau, l'horizon bascule, s'affole comme on le dirait d'une boussole. Les temps, les figures se confondent, se superposent ou se corrompent à la faveur d'une angoisse insidieuse.

J'ai tué cet homme. Je l'ai poussé au fond du canal et le même jour, à quelques instants d'intervalle, à quelques mètres de là, je me suis arrêtée. Suffocations, tremblements en rafales, abaissement anormal des pulsations cardiaques, je crois que mon cœur a lâché. Si c'était à refaire, s'il était possible de recommencer, sans rien changer, à mains nues, je le pousserais de nouveau au fond du canal. Parcourus de frissons, agités par le souvenir, mes doigts hésiteraient peut-être, mais à coup sûr ils ne se trahiraient pas.

L'homme est au fond de l'eau, ses yeux se sont éteints. Quand je l'ai poussé, mes doigts se sont calés bien à plat contre son dos, loin de se raidir, ce dos se courbait sous mes mains engourdies, le torse à peine contracté est tombé en avant sans luxe de mouvements. Nulle débauche de cris. Ce geste, je ne l'avais pas prémédité, ce sont mes mains hors contrôle qui se sont lancées en avant, elles avaient pour objet d'inverser le cours des événements sinon, du moins je le croyais, c'est lui qui, à ce moment ou à un autre, m'aurait poussée.

C'était un matin, un début de printemps, il était encore tôt, je m'étais penchée au-dessus du canal, cet homme est venu se placer juste derrière moi et ensemble nous avons écouté le bruit de l'eau. Ses bras m'ont serrée inconsidérément aux épaules. Crainte sans doute injustifiée, j'ai évité de me débattre, je n'ai pas bougé, jusqu'au moment où s'est déclaré ce mouvement de panique, j'ai projeté ma tête vers l'arrière. Je ne savais plus si les bras posés sur moi me retenaient ou s'ils cherchaient à me pousser. Ce doute, je l'ai chassé mais en retour une force en moi s'est réveillée, je me suis jetée sur lui avec une violence que je ne me connaissais pas. Dans la turbulence, un grognement est passé entre nous comme un coup de vent. Le paysage s'est inversé.

Au canal est un texte de vertige, de folie qui tient du rêve et du délire. Un texte qui joue du basculement, du déséquilibre et emporte avec lui ce qui fait le monde coutumier pour le désétablir ou le restituer à son vertige le plus profond, sa précarité la plus inquiète. Car toujours quelque chose appelle dans les angles morts, dans l'indéfini des marges. Tout le long, d'un tableau à l'autre, le canal s'impose comme le personnage central, inhumain ou informe s'insinuant dans les êtres. Territoire familier et angoissant, redouté et insistant comme ces puits que l'on porte au-dedans, ces appels du chaos, il n'est pas sans évoquer la Zone de Stalker, filmée par Tarkovski dans son vertige géographique, dans la tension dramatique qui en dessine l'espace. Il devient une obsession, le lieu de ce qui réclame et qui n'est jamais dit.

Les images de Frédéric Khodja n'illustrent pas le texte de Marie-Laure Hurault en se donnant à lire. Elles ne racontent pas. Elles n'anticipent pas une description que l'on va lire et elles ne sont pas la confirmation imagée à posteriori des situations que le texte nous invite à nous figurer. Enigmatiques pour celui qui en attendait autre chose, elles s'invitent davantage comme sensations, comme éléments de trouble, rejouant sous leur mode propre le déséquilibre par lequel la fiction se met en marche, comme autant de trouées, autant de figures. Images narratives et images visuelles, dans une proximité d'esprit dévoilent leur abîme, leur vertige, les capacités qui sont les leurs de se tordre, s'inverser, se creuser pour concourir à l'expression d'une vérité convulsive.

L'oubli m'a frappée. Avec une force aussi brutale que celle que je venais de donner. À demi somnolente, j'ai réussi à me traîner un peu plus loin sur un carré d'herbe fraîche. Allongée, ventre à terre sur l'herbe légèrement humide, sans comprendre exactement ce qui m'arrivait, j'ai senti à quel point les forces me manquaient, mes bras ont entouré ma tête, mes yeux sont restés tournés en direction du canal. C'est là que tout a commencé. Par bonheur, j'avais eu la présence d'esprit de détacher mon foulard noué trop serré autour de mon cou et, tandis que mes yeux reposaient sur l'eau, des échauffements sur mon visage juste à l'endroit de la brûlure sur ma joue m'ont ranimée, je suis revenue à moi secouée par de petits rires mécaniques. J'ai rampé jusqu'à l'eau et je me suis penchée au-dessus du canal.

J.L

Publie.net | Un site compagnon pour portfolios

arnaud maïsetti — 2014-05-26T07:37:42Z

ouverture bientôt…

- publie.net : art & portfolios

Claire Tabouret | « des présences fantomatiques », sur France Culture

arnaud maïsetti — 2013-10-09T15:09:19Z

Pour accompagner son exposition à Paris, à la Galerie Isabelle Gounod — PROSÔPON [1]—, Claire Tabouret est invité de La Vignette, sur France Culture.

L'occasion pour elle de parler de son désir de peinture, et comment il s'ancre loin, l'enfance, comment il prend appui sur le paysage, et des motifs qui s'en arrachent ; et comment est venu s'affronter un rapport politique au monde et à ses images, Lampedusa et les printemps populaires de 2011.

À écouter ci-dessous — et prolonger la découverte avec le livre édité par publie.net : ses peintures et le texte de l'écrivain Léa Bismuth en regard.

[1] jusqu'au 31 octobre

Léa Bismuth & Claire Tabouret | L'espoir des spectres

arnaud maïsetti — 2013-10-03T08:36:40Z

« Des spectres ?
Des figures de l'oubli.
Des particules de temps.
Dis leur de rester parmi nous, de respirer encore un peu, de bien garder leur souffle pendant leur lente remontée à la surface. »

LB.

Parution ce jour, et très fier, de L'Espoir des Spectres, aux éditions Publie.net, dans la collection Portfolios — et encore une fois, grand merci à Roxane Lecomte pour l'élaboration de l'ePub. C'est d'abord un désir de Jérémy Liron, compagnon de route dans l'aventure Portfolios : celui de solliciter la plasticienne Claire Tabouret, dont il suit le travail depuis quelque temps, pour un livre. Au printemps, je découvre les peintures de Claire à l'occasion de son exposition Les Insoumis — des visages, des regards qui dévisagent surtout et retournent sur nous les questions qu'on pourrait déposer : l'affront, le défi, et sur tout cela, à travers (ou emportée par) la netteté des visages, l'inscription d'une étrangeté, d'un onirisme qui tient du souvenir perdu ou de l'invention d'un corps autre (le vertige de l'autoportrait en série, sur fond noir). Une puissance de deuil — non sa mélancolie, mais la dignité d'une résilience.

Décision prise de proposer à Claire Tabouret un portfolio sur son travail récent (œuvre en perpétuelle mouvance) — pour le texte, je sollicite comme une évidence Léa Bismuth. Auteur, critique, photographe, Léa approche l'art et son écriture comme on affronte un monde intérieur : et quand il s'agit de l'écrire, c'est pour rêver une appartenance à des formes vives, qui rendent vivants en retour. Je savais, connaissant de longtemps son travail (d'écriture, textuelle ou plastique) que Léa pourrait proposer regard neuf sur ces regards. Et si elles occupaient chacune un territoire de langue et d'imaginaire, quelque chose comme une relation d'intensité pouvait traverser, des œuvres de Claire à l'écriture de Léa.

Léa nous envoie, quelques mois après, une lettre, adressée à Claire. C'est cette lettre que nous publions ici, en regard des œuvres de Claire.

Une lettre écrite entre Paris, l'Amérique, d'autres ailleurs encore : une lettre qui voyage dans l'éloignement des visages, visages qui sont comme une centralité autour de laquelle on va, en laquelle on retourne. Une loi de gravité personnelle et intime. Dans l'adresse, c'est nous même qui sommes dévisagés aussi : une adresse qui fore en nous la question même de ces visages, qui rejoue d'une certaine manière la perception première pour la déplacer.

Le livre est disponible sur toutes les plateformes de téléchargements :
— sur le site de Publie.net
— notre distributeur, l'immatériel
— mais aussi les traditionnels Itunes, Fnac, Amazon, etc.
— La notice sur Gallica est même déjà prête.

Si le travail de Claire Tabouret et de Léa Bismuth dialoguent si puissamment, c'est dans la mesure d'une puissance à l'œuvre dans ce que l'art aujourd'hui a de plus précieux : l'amitié qui lie nos solitudes, l'inquiétude face au monde, la sursaut pour y faire face, l'interrogation continuelle qu'on lui porte comme on aiderait un corps dans ses convulsions mêmes à lui inventer des souvenirs capables de croire encore à la possibilité du présent.

Merci de soutenir ces forces à l'œuvre [1] : lire ces textes, se passer le mot qu'ils existent, est une manière aussi – poétique, politique – de faire d'une position de regard une façon de choisir le monde.

Présentation par Jérémie Liron

C'est une façon de la mémoire : on remonte à soi des morceaux de scènes où l'on se voit jouer, rire à l'objectif, adossé à une barrière ou l'air absent, regardant vaguement au-dedans de soi dans un costume étriqué à la manière du Gilles de Watteau.

Les souvenirs ne sont pas des scènes enregistrées subjectivement par la caméra de nos yeux, mais des images que celui que nous sommes aujourd'hui observe par-dessus l'épaule de celui qu'il était autrefois et qu'il a perdu. Nous sentons bien qu'ici un certain retournement nous regarde. Des paysages, des visages saisis dans leur silence et pourtant comme au bord de se dire. Le deuil que l'on fait de soi-même à chaque instant. Ou plutôt que l'on ne parvient pas à faire, revenant toujours trop tard sur ce mouvement intime qui nous échappe. C'est ce qui hante nos figures.

Ce qu'aura constamment recherché Sebald, regardant « des photographies ou des films documentaires de la guerre », des archives de toutes sortes dans « le silence qui règne sur les ruines », c'est ce « déficit » que lui laisse l'arrière-plan de sa propre vie. Né un an avant la fin de la guerre, il lui semble que c'est de là qu'il vient et que « tombe sur [lui], venu[e] de cette ère d'atrocités [qu'il n'aura] pas vécu[e] une ombre à laquelle [il n'arrivera] jamais à [se] soustraire tout à fait ».

Pareil silence obscur règne sur nos souvenirs. On ne sait jamais tout à fait de quelle fabrique ils sont issus, ce qu'ils écrivent. Ils lèvent à nos regards des armées de personnages comme chaque jour se lève devant nos yeux l'étrangeté de notre nouveau visage.

Il m'a toujours semblé que c'était ce genre de « destins secrets » vers lesquels Claire Tabouret orientait sa peinture. En sondant, dans une grisaille soutenue par des teintes vives (Claire Tabouret peint l'ombre depuis la lumière, à l'inverse de peintres qui partent de l'obscur pour gagner progressivement en clarté), quelque chose comme les rêves de ces spectres.

De manière de plus en plus évidente ces dernières années, avec la prééminence des portraits d'enfants dont certains lui ressemblent (images d'enfance, parents ?) et les autoportraits initiés lors d'une résidence en Chine et dont elle dit qu'ils lui sont une manière chaque jour de se retrouver, elle semble engagée dans une sorte de Bilderatlas Mnemosyne à la manière d'Aby Warburg, un montage d'images pour un atlas de la mémoire. On l'imagine comme Austerlitz, le personnage du roman de Sebald, attablée devant les documents comme à une patience : « Il les étalait face en bas, comme pour une réussite, et ensuite, chaque fois étonné par ce qu'il découvrait, il les retournait une à une, tantôt les déplaçait, les superposait selon un ordre dicté par leur air de famille, tantôt les retirait du jeu jusqu'à ce qu'il ne reste plus que la surface grise de la table ou bien qu'il soit contraint, épuisé par son travail de réflexion et de mémoire, de s'allonger sur l'ottomane. » Dans ce travail de plis, de déplis et de replis, de retournements qu'a très justement saisi Léa Bismuth jusqu'à en faire l'expérience pour elle-même, les images de Claire Tabouret suspendent le déroulement du récit, marquent un temps. À la manière des « fictions réalistes » de Sebald, elles désignent une réversibilité de la fiction et de la réalité. N'y a-t-il de fiction qu'enracinée dans la réalité ? Et de réalités que celles susceptibles à chaque instant de prendre des allures de fictions ? « Les souvenirs sont-ils des constructions comme les rêves ou les fantasmes ? Les souvenirs existent-ils ? Dans quelles marges inaccessibles sont-ils donc retenus, à l'abri de quelle folie ? », semblent-elles demander avec insistance.

Naturellement, le texte par lequel Léa Bismuth accompagne ces figures anonymes d'acteurs de l'histoire s'accorde aux mouvements du temps, aux confessions que l'on fait aux journaux intimes ou aux lettres quand ceux-ci mélangent ce que l'on se dit à soi-même et ce que l'on confie à d'autres. Écrivant, elle s'en remet à cette fragilité, avouant des larmes, des rires, le blanc des neiges, la solitude. Elle se demande alors ce que rejoignent en elle ces figures peintes, cette petite fille bandée qui interrompt son jeu, « immobilisée dans une chorégraphie muette ». Et c'est en lisant Proust qu'elle retrouve l'ambiguïté de ces images dont on ne sait si elles émergent de la mémoire ou de rêves. « Les images choisies par le souvenir sont aussi arbitraires, aussi étroites, aussi insaisissables que celles que l'imagination avait formées et la réalité détruites. »

Ponctué de ces extraits de La Recherche, le texte de Léa Bismuth adopte la forme des vertiges de l'introspection, cheminant au bord des cavités abruptes de la mémoire.

Ce que ces fillettes, ces fratries, ces silhouettes anonymes disent pour soi c'est la perte ; comment une part de nous s'engouffre dans les abîmes du temps et comment cette part justement réclame qu'on la rêve.

Ces quelques pages n'expliquent pas, ne prétendent pas à l'analyse des images mais, faites-en l'expérience, lorsque vous revenez aux tableaux, il vous semble y lire un peu plus qu'avant. Collées les unes aux autres, scellées dans la nuit du livre, lettres et images semblent réciproquement avoir abandonné leurs reflets, comme ces cartes que l'on retrouve coincées aux pages de vieux ouvrages et que l'humidité et le temps ont imprimées en demi-teintes sur le texte.

Jérémy LIRON

[1] À l'occasion de la sortie du livre, une lecture est organisée ce samedi 5 octobre, à 18h, à la Galerie Gounod à Paris, où a lieu une exposition des dernières œuvres de Claire Tabouret – lecture, discussion, et partage : merci de nous accompagner dans ces partages-là, aussi.

Plus d'informations à venir !

Philippe Blanchon | Sous les marronniers de Vénétie

arnaud maïsetti — 2013-01-17T21:35:00Z

Quatorzième texte dans la collection Arts et Portfolio que je coordonne avec Jérémy Liron.

Une seconde fois, on accueille un texte du poète Philippe Blanchon ; et une seconde fois, on fait ce pas de côté en proposant une œuvre qui pourrait sembler loin du portofolio de plasticien. Mais si la langue est une matière, et le verbe sa plasticité, et si l'art en tout opère sur la toile du réel ses mouvements de salut, ces pas de côté nous sont aussi essentiels pour comprendre davantage le regard — et les figures du monde qui peuvent s'y déposer.

Philippe Blanchon, sur Publie.net

– On peut se procurer l'ouvrage
— sur publie.net directement
— sur le store d'apple
— sur les sites d'Amazon, ou la Fnac
— chez les libraires indépendants en ligne ePagine, ou Feedbooks

Philippe Blanchon est poète et écrivain, il est né en 1967. Il a publié Le poème de Jacques suivi de L'Ambassadeur aux éditions Mona Lisait en 2001, La Nuit Jetée en 2005 et Capitale sous la neige en 2009 aux éditions l'Act Mem, Le livre de Martin aux éditions de la Nerthe en 2010, La Salamandre aux éditions de la Termitière en 2011, volumes qui constituent les fragments d'une vertigineuse fiction en vers dite depuis plusieurs voix et semblant devoir s'étendre sans fin. Ses poèmes antérieurs ont été repris sous les titres Le reliquat de santé (La Courtine, 2005) et Janvier (La Part Commune, 2009). En 2009 il nous confiait Manifeste, publié initialement chez Publie.net dans la collection Portfolios.

Éditeur, il a publié plusieurs textes inédits d'auteurs majeurs de la poésie moderne, William Carlos Williams, E. E. Cummings, Jean Legrand, Eugenio Montale, Italo Svevo, Herman Melville, ou encore Charles Olson, notamment.

Préface

Les gares ont odeur commune.
Le corps se meut différemment pourtant
(pression atmosphérique
décalage atmosphérique
comme le temps traversé et le temps
parcouru par la montre coïncident).
Philippe Blanchon

Depuis quelques années, les livres que publie Philippe Blanchon, hormis quelques rares exceptions, s'attachent à un vaste et exigeant ensemble dans lequel la poésie déploie tous ses modes, de l'épique au dérisoire, du lyrisme à l'ironie, convoquant les grands symbolistes russes, comme les modernistes, les figures tutélaires de Musil, Khlebnikov et Joyce. Philippe Blanchon a tout le long multiplié les figures récurrentes auxquelles comme une arborescence viennent s'en ajouter de nouvelles, comme autant de points d'énonciation en lesquels se perdrait la figure de l'auteur, le livre s'énonçant depuis cette multiplicité, diffracté, incluant tout autant la fiction que les références littéraires et poétiques qui l'habitent. Après avoir confié à Publie.net son « Manifeste », nous accueillons aujourd'hui un nouveau texte singulier présenté cette fois-ci comme un roman en vers. S'il n'appartient pas à ce cycle poétique qui fait le cœur de son œuvre, s'y manifeste la même exigence, s'y creuse un même abîme dans un livre qui se dévore allongé à plat-ventre sur le lit.

Yvan, éditeur, répond à l'invitation de Quentin à se rendre dans le sud de la France. Quentin aurait retrouvé le manuscrit auquel leur ami commun, Jan, faisait allusion dans ses écrits : Jacques le Navigateur . Jan est décédé, il a laissé une oeuvre romanesque et des poèmes publiés par Yvan. Ce poème retrouvé par Quentin est-il bien une oeuvre de jeunesse de Jan, exercice qu'il pensait avoir détruit, ou s'agit-il d'un poème inconnu du XVIIe siècle écrit par un certain Joachim de Limoges ? Quentin raconte son enquête à son ami, sa rencontre avec une ancienne maîtresse de Jan, avant de lui confier le manuscrit. Yvan est préoccupé par son histoire finissant avec Anne. Alternance de passages narratifs et de monologues. Les points de vue se multiplient : d'Anne, de Quentin, d'Yvan. Des extraits du poème retrouvé, des souvenirs révélés par des lieux et des lettres enfin de Jan écrites à ses deux amis, de Venise, traversent ce "roman-panique" procédant de mises en abîme et de quêtes.

Jérémy Liron

Parution de

Détails

Contributeur : Philippe Blanchon (Auteur)
Publication : 12/01/2013
Langue : Français
Collection : Art & portfolios
ISBN : 978-2-81450-498-1
Description

Louis Imbert | Faces

arnaud maïsetti — 2011-09-02T14:23:26Z

Treizième texte dans la collection Arts et Portfolio que je coordonne avec Jérémy Liron.

Louis Imbert, Faces, sur Publie.net

Louis Imbert est né en 1982 à Suresnes.

Journaliste, il a travaillé en Iran, en Asie Centrale et en
Afghanistan pour la presse écrite et la radio.

On peut le suivre sur son blog samecigarettes.

Préface

Disons que ces images me fascinent justement parce qu'elles
opposent une part de silence têtu aux récits du monde.
Louis Imbert

À parcourir des photographies, on lit autant l'histoire ra-
contée par l'image, que l'autre, celle qui l'a produite,
celle qui l'a prise – et qui manque, nécessairement, dans
l'image : tout cet arrière-plan, ou plutôt ce hors-champ
qui l'a permise.

Exception dans notre collection portfolio, le livre de Louis
Imbert ne comporte aucune peinture, aucune image, aucune photographie : ce n'est pas même un texte sur la
photographie, ou l'image – mais seulement un texte tout
entier construit sur sa recomposition, mentale, fantasmatique, manquante : écrite.

On a tous, désormais, nos photographies dans nos ordinateurs : les images personnelles, celles d'autres qu'on emprunte, côtoient peintures numérisées, photographies de
presse, celles qui marquent et deviennent la signature
d'une époque, ou plus intimement d'un rapport personnel à notre époque. Les récits que ces photos racontent
sont une part de notre histoire : brassage intime et universel dont notre regard est en retour constitué, ou pour
ainsi dire armé, quand il faut envisager le monde.

Et si les photographies nous dévisageaient aussi ? Si les
images possédaient leur propre mémoire ? Que notre
mémoire était déposée en elles ?

La mémoire des images – exercice douloureux que celui
d'essayer de recomposer de mémoire telle ou telle image
vue, même celle qu'on connaît le mieux. Mais qu'on la
retrouve, devant soi, à l'écran, et cette mémoire soudain
s'abolit dans l'évidence immédiate qui ne connaît aucune
durée pour s'établir, dans l'instant. Alors, quand L. Imbert écrit l'image, à nous refusée, c'est ce double jeu de
mémoire et d'oubli qui se confronte, et se fait face.

Le texte de Louis Imbert, dans sa vitesse, sa précison, sa
faculté à se saisir de quelques images données (peinture
de Bonnard, photographies de Depardon ou de Alex Majoli, photos de guerre aussi) pour chercher en elles, et au-
delà d'elles, quelque chose qui pourrait percer le mystère
de leur fascination dit puissamment ces jeux de regards et
de mémoire que fabrique la photographie dans nos imaginaires et nos vies. Récit qui cherche à interroger, sous les
images, la fascination que quelques-unes exercent sur le
regard qui s'y anéantit : processus de regard qui rejoint,
en l'amplifiant, celui que la lecture opère. Ce qu'on lit
dans une image : tout un récit immédiat, linéarité toujours recomposée selon la course de l'œil qui la parcourt, récite à chaque nouvelle vision une nouvelle manière de
disposer de cette histoire.

En creux, se lit un autre récit, plus intime, celui que l'auteur, journaliste, voyageur, entre l'Europe, l'Asie et les
États-Unis, livre, à chacune des images évoquées qui finissent par produire étrangement une sorte d'autoportrait
en autres visages.

Un texte composé d'images, donc, sans qu'aucune des
images racontées ne soit reproduite ici – c'est qu'à la face de
ce livre, en son revers peut-être, se joue la recomposition,
pour chacun de nous, d'images que nous ne connaissons
pas, mais qui finissent, peu à peu, par nous regarder : et
d'autres, que nous connaissons mieux, et que nous voyons
prendre d'autres visages, apparaître sous d'autres faces.
Écriture enfin de l'image, qui est un signe fort dans notre
collection, quand elle aﬀronte le geste de voir avec celui
d'écrire : ou quand la face interne de l'image regarde et
appelle sa formulation impossible qui l'écrira.

« À parcourir ces images, je ne débusque rien. J'ai la tête
étroite, une idée neuve c'est chose rare. Je tourne. Il y a
ce mouvement qui ne va pas jusqu'à comprendre. Je
cherche une relance, comme à écouter en boucle tel pan
de musique pendant des heures pour cela qui à tel instant
m'élance. Et puis j'oublie, je sens venir. Justement ça qui
appelle la phrase. »

Arnaud Maïsetti

Postface

Des images posées, piquées aux murs, dans le décor de la
ville ou de votre intérieur, dans les motifs, dans les journaux et dans les livres. D'autres qui remuent à la télévision,
à la surface d'un écran. Des images qui sont des objets du
monde. Et certaines parfois qui le creusent. Certaines qui
ouvrent leur espace propre, qui appellent ce dont elles témoignent là où elles se manifestent mêlant les lieux et les
temps, ou qui manifestent leurs qualités d'images, leurs
qualités propres dans leur façon de témoigner et qui les fait
excéder tout témoignage, toute vocation documentaire.
Qui vous retiennent. Des images qui finalement créent
un monde dans le monde, qui vous habitent autant que
vous les habitez, qui vous regardent autant que vous les
regardez.

Le texte de Louis Imbert est le livre d'un regard posé sur
ces images qu'il collectionne et sonde jusqu'à espérer
qu'elles livrent quelque chose, qu'elles se disent. Des
corps, des hommes, des visages surtout et quelques vues
qui portent un peu du corps et du visage de qui les a forgées. Et comment ces visages se compliquent d'être pris
dans l'image qui fait par-dessus eux un visage encore,
une « figure ».

C'est sous le titre de « visages » qu'il nous a d'abord con-
fié ce texte avant de lui préférer celui de « faces » et ce livre tout entier se tient dans cet écart en lequel jouent les
images : entre la pure présence, ce « point de fascinante
étrangeté » en lequel elles se tiennent et ce qu'elles convoquent et font sinuer en nous. Je me souviens de cette
préface par laquelle Artaud présentait une exposition de
ses dessins et de ce qu'il insistait sur la diﬃculté de peindre un visage ou plus probablement de l'incarner. Cette
phrase : « le visage humain n'a pas encore trouvé sa fa
ce ». De Holbein à Ingres, dit-il, des portraits qui ne sont
toujours que des « murs épais », mutiques. Si l'ambition
d'Artaud est de passer de l'autre côté de ce mur qu'est le
portrait, pour essayer d'atteindre le visage que le portrait
masque, de « forcener le subjectile » ou de ne pas se laisser trahir par ce subjectile qu'est la page, force est de
constater que les images photographiques quelquefois dérobent au fond du mystère mutique de leurs faces quelque
chose qui pourrait bien être un visage et qui alors vient à
nous.

Souvent la photographie a manifesté l'influence visuelle
des tableaux dont les compositions et les gestes la hantent. On a en mémoire la photographie de Georges Mérillon connue sous le nom de Pieta du Kosovo dont les lumières, l'expressivité des poses et des gestes lèvent des
souvenirs de Caravage. Ce titre de Faces, c'est appuyer
sur ce en quoi les images dressent des regards aveugles
auxquels nos propres regards s'aﬀrontent. Toute la tradition iconique de l'incarnation, la Véronique de Philippe de
Champaigne. Ces images auxquelles on bute. Retenir ce
mot de « faces », c'est dire comme les images ont des regards qui vous repoussent, qui font que dans leur fixité il
vous semble qu'elles ne font toujours que s'éloigner, devenir lointaines, étrangères. Qu'elles s'esseulent. Mais
c'est dans ce mouvement paradoxal qu'elles nous ouvrent
au travail du regard et alors ce que l'on verrait sourdre
des images ce ne serait pas une seule présence fascinante,
mais « le toucher pensif en quoi elles changent la vue ».

Au fond, j'étais enthousiaste d'accueillir dans la collection
Portfolios précisément ce livre sur l'image, sur notre rapport aux images et qui ne contiendrait matériellement aucune photographie, un livre qui précisément travaillerait à
tracer le portrait (forcément subjectif) de ces faces qui
nous hantent et en lesquelles parfois un visage nous semble familier.

Jérémy Liron

Thomas Vinau & Florent Lamouroux | Les Murs

arnaud maïsetti — 2011-08-23T18:51:29Z

Ces derniers mois, la collection portfolio, que je coordonne avec Jérémy Liron, rassemblait ses forces, remettait à niveau ses gabarits et ses formats – merci à Gwen Catala pour l'aide précieuse, à François Bon bien sûr pour l'accompagnement et la confiance.

Désormais, on est paré, côté technique (mais ne pas hésiter à nous faire part de vos retours), pour publications plus régulières : c'est important. Pour nous, qui essayons d'ouvrir les dialogues entre plasticiens et auteurs ; et surtout pour les artistes eux-mêmes, qui pourraient trouver dans cette collection une manière d'exposition permanente en ligne, accessible via abonnements et dans les bibliothèques qui nous font confiance – cette collection portfolios : une façon neuve pour les plasticiens de présenter une démarche et de la proposer librement en dehors des galeries ou des catalogues.

Soit donc ce dixième texte de notre collection Arts et Portfolio : cinquante ans après la construction du mur de Berlin, plus de vingt ans après sa disparition, Berlin, ses murs, fascinent toujours. Le Mur : image centrale d'une ville que l'Histoire a faite mur : aujourd'hui, revanche de la ville sur le mur, ce sont les artistes de cette ville qui en ont repris possession : des dizaines d'entre eux, anonymes souvent, par jeu, par défi, en ont fait une toile immense sur laquelle ils fabriquent leur propre ville, scripturale, mentale, fantastique.

L'artiste Florent Lamouroux pose son regard sur ces murs : photographies qui sidèrent pour ce qu'elles laissent voir, mais aussi pour ces choix de cadres qui recomposent en retour ces murs et leurs signes – double regard. Et regard encore doublé par l'écriture de Thomas Vinau [1], dont le texte multiplie encore les recompositions du paysage-ville en notant une sorte de légende fuyante, écho lointain des cicatrices illisibles laissées sur ces murs comme autant de blessures, comme autant de marques visant à se réapproprier la ville.

Très fier et très heureux d'accueillir ce beau projet, ce dialogue fort, dans notre collection.

Ci-dessous, la préface rédigée par Jérémy Liron.

Le texte est disponible directement sur le site des éditions Publie.net
Et bien sûr, merci de nous soutenir en vous abonnant…

Toute cité est un état d'âme. Berlin est féconde, à ce que l'on m'a dit, en vastes murs aveugles dressant dans la ville des pans semblables à celui-là qui obséda Bergotte dans la vue que Vermeer fit de Delft.

Peut-être la ville s'érige dans ces mystères imposants, délibérément nus, dans cet aveuglement géométrique. Elle y prend sa tournure. On m'a dit aussi que l'ambition des grapheurs est d'y apposer leur marque, chacun plus visiblement que les autres, « bigger than the others ». Pour autant jamais les mots dans leur démesure ne concurrencent les hauteurs et les largeurs que la ville échappe. Hommes et mots criés silencieusement aux murs ne sont que passagers de ce qui en la ville les hante : béton, rumeurs, tumulte, dureté implacable.

Au bout du compte demeurent les murs, un vide, une surface opaque et entêtante. Et par les murs on se regarde soi-même aussi.

Réduite à ces pans, la ville n'est qu'opacité, butée, solitude, immobilité et silence. Les murs « témoignent seuls de par quoi la ville commande à ceux qui la font . » À leur dureté s'adossent les mots, s'inscrivent les présences fugaces, se frottent les corps auxquels s'accroche la folie ou l'ivresse de la ville.

Il suffit d'insérer dans les passe-vues des diapositives quelques fragments des emballages que sécrète la vie urbaine pour que, littéralement, s'inscrive par-dessus et en plus grand encore les slogans, les mots, les logos, les commandements publicitaires d'une fiction impersonnelle.

La ville appelle peut-être aussi ce vide spectaculaire (ou ce spectacle vide). Géométries mornes, marges, signes qui, comme le disait Manoel de Oliveira, « baignent dans la lumière de leur absence d'explication », les images qui adviennent alors sont des objets bizarres, fascinants et étranges, combinaison de signes ou de visées qui nous laissent entre-deux, entre le visible et le lisible.

Jérémy Liron

— Suivre l'actualité du plasticien Florent Lamouroux sur le site de la galerie Isabelle Gounod
— Lire le blog de l'écrivain Thomas Vinau

[1] _Thomas Vinau a écrit un roman, Nos cheveux blanchiront avec nos yeux, qui sort ces jours aux éditions Alma : qui pour parler encore du numérique contre le papier ?…

Dimitri Vazemsky | Poésie/Poesia

arnaud maïsetti — 2010-12-31T17:59:34Z

Neuvième texte dans la collection Arts et Portfolio de publienet que je coordonne avec Jérémy Liron :
à voir sur le site de Publie.net
Merci de nous soutenir…

Un projet comme seuls peut-être peuvent avoir les plasticiens : dans sa radicalité, son évidence, sa folie, et ce qu'il faut bien appeler sa beauté. Porter des lettres grandes comme un homme au sommet d'une montagne, et déposer le mot Poésie au pied des aiguilles d'Ansabère, en vallée d'Aspe, à même la neige des Pyrénées. Projet né de rencontres près de Pau, en 2009, autour des lectures dans le Jurançon, puis qui surgit sur une photogravure et grandit peu à peu — avant de prendre corps l'automne 2010, au cours d'une expédition. Six hommes habillés de noir, chacun une lettre de leur taille en bois rouge sur le dos, ont gravi la montagne : pour seulement y placer le mot de Poésie, et dans le renversement de la dernière lettre, et la coupure de l'accent qui devient le point du i, celui de Poesia.

il dit : « ça aurait pu s'appeler : ‘à vol d'oiseau' »
elle dit : « la réalité n'est jamais aussi linéaire… »
il dit : « seul le projet l'est… »

un silence

elle dit : « ce serait trop simple. »

le projet est un cours d'eau
cherchant son lit
dans des montagnes de réalité.

La force des plasticiens, ce en quoi ils nous sont si essentiels, réside, on le sait, dans le geste qui nous rend visible le monde — celui qui ne se contente pas de le représenter mais dont sa figuration décile nos vieux regards, renouvelle en retour la réalité. Mais quand ce geste est une intervention sur le monde, c'est, plus que cela, une véritable question que pose ‘l'installation' (comment nommer cela ?). Question déjà posée peut-être, mais en d'autres termes, par les artistes du LandArt dans notre rapport à l'espace et au temps, la remise en cause des contours de l'œuvre et de ses frontières avec le monde. Mais question ici reprise dans le geste d'écrire : ce en quoi l'art seul peut se saisir de lui-même dans ses propres surgissements.

Le projet ‘Poesie/Poesia' de Dimitri Vazemski n'est pas l'objet véritable du livre que l'on propose ici (en édition bilingue franco-argentin) : pour cela, on invite à se rendre sur les pages web dédiés (le blog qui a servi de carnets de route, et le site désormais ouvert où l'on peut voir l'installation et ses photographies dans sa totalité). Non, le livre que propose l'artiste à la collection Portfolio est le chemin qui a conduit à l'œuvre, quand bien même ce chemin s'est énoncé après elle. En reprenant les traces, c'est aussi une approche de l'acte de lire et d'écrire : de lire le réel, d'écrire le monde, d'écrire sur lui : c'est aussi un récit d'apprentissage de ce qui est moins un geste d'appropriation du langage qu'une manière d'éprouver sa relation au monde et aux signes qu'on écrit à sa surface. Sous le titre que figure le mot Poésie, la surface de la terre comme couverture de l'œuvre : comme désignation aussi — ou sa légende ?

On ne s'étonnera pas de voir, sous la narration de ce projet, une manière pour le plasticien de se lire aussi, et de lire d'autres textes, ceux qui incitent à écrire et à marcher, deux mouvements ici conjoints, voire confondus : dans l'épaisseur des signes, on rencontre sur la route qui mène aux sommets (ou du moins, juste avant de basculer de l'autre côté de la frontière, juste avant le passage à la ligne), les noms de Mallarmé, de Lorca (le texte est ici traduit en espagnol par Mathias De Breyne), et ceux qui connaissent le travail de Dimitri ne seront pas étonnés de trouver aussi la figure bienveillante du vieil Hugo….

Enfin, comme en surplomb de tout le travail, cette phrase de Duras que l'artiste a voulu prendre au pied de la lettre, pour le défi peut-être qu'elle pose quand on affronte ainsi la langue à l'expérience de marcher sur le monde, pour la beauté du geste, et parce que ces mots contiennent sans doute l'exigence de la poésie :

"Quand j'écris sur la mer, sur la tempête, sur le soleil, sur la pluie, sur le beau temps, sur les zones fluviales de la mer, je suis complètement dans l'amour.”

Arnaud Maïsetti & Jérémy Liron

Bio :

"le jubilant Dimitri vazemsky" (Haydée Saberan, Libération), "possède surtout le talent rare de savoir marier la rigueur du récit à la magie d'images poétiques" (escales des lettres), "pour Vazemsky l'écriture et l'édition sont devenues une seule et même aventure, placée sous le signe de la rencontre et des voyages (le comptoir du livre, liège) "inclassable vazemsky... Ecrivain ? Editeur ? Plasticien ? Dilettante professionnel ou guetteur de sens ? Tout cela à la fois ? On cherche ses livres côté librairie, on les retrouve côté galerie ou musée. on pense qu'il joue avec les mots, et le voilà occupé à jongler avec les images, des photos, à composer de savoureux livres-objets. Bref il cultive l'ecclectisme" (Pays du nord) "Mille projets sont déjà en route. "(Le vrai Journal) "L'homme qui veut écrire une phrase de deux kilomètres de long sur une plage du nord (Stéphane Paoli, France Inter), "n'en est pas à son coup d'essai" (Marie claire)" Il est une sorte de Sophie Calle au masculin" (Geoffroy Deffrennes, La voix du Nord) "un drôle de passionnant jeune homme" (François Reynaert, le Nouvel Obs).

« Le livre ici devient un élément parmi un tout, une tentative de reconstruction de l'expédition/exposition/expérience... le site liste lui toutes les traces photos qui elles se chargent de poser ce qui a eu lieu, assez objectivement, juste avec le cadrage photo... le livre, ainsi dégagé de cette fiction, est devenu un lieu personnel, de ressenti autour du projet, un "état" comme on dit en gravure... »

D. V

Agostini & Liron | Chaque œuvre cherche après ce qui la fonde

arnaud maïsetti — 2010-09-01T15:42:49Z

Huitième texte dans la collection Arts et Portfolio de publienet que je coordonne avec Jérémy Liron :
à voir sur le site de Publie.net - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique).
Merci de nous soutenir…

Le huitième ouvrage de la collection portfolio (en un an d'existence) présente quelques aspects du travail du peintre Philippe Agostini : des toiles, en atelier ou en exposition, et un texte de Jérémy Liron qui les mettent en perspective. Si les tableaux parlent pour eux-mêmes, possèdent une évidence qui échappe autant à la figuration qu'à leur description, l'échange qui se noue entre J. Liron et les œuvres de P. Agostini tient autant d'une interrogation sur la nature de ce travail que d'une relation à elle, relation critique et, faut-il le dire, affective.

C'est qu'il s'agit ici de deux peintres, et que le regard porté par Liron est nécessairement celui d'un artiste plongé aussi dans ce travail avec/contre la matière, la ligne, la figure — de là le frottement de deux regards (l'un regardant, l'autre regardé : mais selon quel point de vue ?) qui font fonctionner la peinture comme pratique, et non pas seulement comme objet clos, discipline définitivement énoncée par ceux qui se prétendent seuls dépositaires de son histoire.

Ainsi le texte, travaillant de l'intérieur la question posée aux toiles (ou élaborée par elles), dépasse-t-il de loin le strict cadre qu'il se donne au début pour traverser, à travers Agostini, un questionnement plus global sur la nature du geste pictural : c'est alors toute une puissance du signe peint qui se donne lire — une tentative de généalogie sans origine de la figure, en tout cas, sans origine déterminée, puisant dans l'origine mouvante, archétypale, immanente, tout un foisonnement de lignes surgies pour celui-là même qui les composent. Ce qui se dessine deviendrait à la fois une confluence entre jonction des origines et appel à l'inconnu au-devant de soi : sujet plié dans la matière qu'il constitue, qui le constitue.

Si Jérémy Liron appelle à lui la pensée, décisive sur ces questions, de Deleuze, c'est à Michaux qu'on pense aussi — cette épaisseur de signes indéchiffrables dont on se met en quête et qu'on ne fait que prolonger, vie dans les plis.

Jérémy Liron, au centre de son texte, rencontre la figure du nœud pour rejoindre les toiles de Philippe Agostini : le nœud comme notion propice à nommer ce qui se joue dans le rapport à la toile et au monde qu'elle envisage — et à notre tour, lecteur, de considérer le nœud de cette relation, de se placer dans ce nœud-là du livre, entre une écriture et un geste, celui de nommer et celui de peindre, sans que l'un ne préexiste à l'autre.