arnaud maïsetti | carnets

Marie-Laure Hurault & Frédéric Khodja | Au canal

arnaud maïsetti — 2014-09-08T12:56:09Z

Il n'y a pas de rentrée littéraire. Il n'y a que des sorties intempestives d'ouvrages qui n'attendent pas leur tour pour venir intercepter le réel et un regard porté sur lui. Dans la collection portfolio, proposition d'un livre né, c'est la règle ici, d'une rencontre entre un écrivain (Marie-Laure Hurault, auteur notamment d'un très bel essai sur Blanchot et le principe de fiction, et un plasticien (Frédéric Khodja).

Dans ce dialogue entre textes et images, Marie-Laure Hurault propose une lente dérive mentale qui construit peu à peu une fiction à la puissance, où la peur et le fantasme conduisent, comme dans les rêves, à accomplir eux-même le trajet du récit, investir la charge symbolique des images et venir les peupler : comme si les fantômes qui habitent ces images et que l'on voudrait conjurer par le récit, c'est le récit lui-même qui leur donne corps, et esprit.

L'occasion, pour ce nouvel ouvrage, de saluer le nouveau site de notre collection — Jérémy Liron et moi sommes heureux de vous inciter à aller visiter le bel espace que nous a ouvert Roxane Lecompte (qui a réalisé l'ouvrage, comme tous ceux des collections publie.net) : c'est par ici…

Ce livre est disponible aux formats EPUB et MOBI sur toutes les plateformes de téléchargement habituelles et sur notre librairie en ligne publie.net. Soutenez la création contemporaine, osez Portfolios…

— Se procurer l'ouvrage : sur le site de la librairie publie.net

— Voir site de Frédéric Khodja
— Consulter les travaux et ouvrages de Marie-Laure Hurault
— Lire également un extrait du texte

— Et ci-dessous la présentation de l'ouvrage par Jérémy Liron

On n'évacue jamais la question du rapport du texte aux images, quand bien même on y revient, on la pratique. Peut-être est-ce même au fond la seule question : quelles images lève un texte ? Quelle forme de récit s'esquisse au-dedans, par-dessus, à travers les images ? Comment s'accordent en un livre qui les met en présence, c'est-à-dire dans notre expérience même du monde, ces deux régimes du lisible et du visible, ces deux temps du récit et de la présence ?

Sous le pont, dans les ombres, les bois gluants du bord de l'eau, l'horizon bascule, s'affole comme on le dirait d'une boussole. Les temps, les figures se confondent, se superposent ou se corrompent à la faveur d'une angoisse insidieuse.

J'ai tué cet homme. Je l'ai poussé au fond du canal et le même jour, à quelques instants d'intervalle, à quelques mètres de là, je me suis arrêtée. Suffocations, tremblements en rafales, abaissement anormal des pulsations cardiaques, je crois que mon cœur a lâché. Si c'était à refaire, s'il était possible de recommencer, sans rien changer, à mains nues, je le pousserais de nouveau au fond du canal. Parcourus de frissons, agités par le souvenir, mes doigts hésiteraient peut-être, mais à coup sûr ils ne se trahiraient pas.

L'homme est au fond de l'eau, ses yeux se sont éteints. Quand je l'ai poussé, mes doigts se sont calés bien à plat contre son dos, loin de se raidir, ce dos se courbait sous mes mains engourdies, le torse à peine contracté est tombé en avant sans luxe de mouvements. Nulle débauche de cris. Ce geste, je ne l'avais pas prémédité, ce sont mes mains hors contrôle qui se sont lancées en avant, elles avaient pour objet d'inverser le cours des événements sinon, du moins je le croyais, c'est lui qui, à ce moment ou à un autre, m'aurait poussée.

C'était un matin, un début de printemps, il était encore tôt, je m'étais penchée au-dessus du canal, cet homme est venu se placer juste derrière moi et ensemble nous avons écouté le bruit de l'eau. Ses bras m'ont serrée inconsidérément aux épaules. Crainte sans doute injustifiée, j'ai évité de me débattre, je n'ai pas bougé, jusqu'au moment où s'est déclaré ce mouvement de panique, j'ai projeté ma tête vers l'arrière. Je ne savais plus si les bras posés sur moi me retenaient ou s'ils cherchaient à me pousser. Ce doute, je l'ai chassé mais en retour une force en moi s'est réveillée, je me suis jetée sur lui avec une violence que je ne me connaissais pas. Dans la turbulence, un grognement est passé entre nous comme un coup de vent. Le paysage s'est inversé.

Au canal est un texte de vertige, de folie qui tient du rêve et du délire. Un texte qui joue du basculement, du déséquilibre et emporte avec lui ce qui fait le monde coutumier pour le désétablir ou le restituer à son vertige le plus profond, sa précarité la plus inquiète. Car toujours quelque chose appelle dans les angles morts, dans l'indéfini des marges. Tout le long, d'un tableau à l'autre, le canal s'impose comme le personnage central, inhumain ou informe s'insinuant dans les êtres. Territoire familier et angoissant, redouté et insistant comme ces puits que l'on porte au-dedans, ces appels du chaos, il n'est pas sans évoquer la Zone de Stalker, filmée par Tarkovski dans son vertige géographique, dans la tension dramatique qui en dessine l'espace. Il devient une obsession, le lieu de ce qui réclame et qui n'est jamais dit.

Les images de Frédéric Khodja n'illustrent pas le texte de Marie-Laure Hurault en se donnant à lire. Elles ne racontent pas. Elles n'anticipent pas une description que l'on va lire et elles ne sont pas la confirmation imagée à posteriori des situations que le texte nous invite à nous figurer. Enigmatiques pour celui qui en attendait autre chose, elles s'invitent davantage comme sensations, comme éléments de trouble, rejouant sous leur mode propre le déséquilibre par lequel la fiction se met en marche, comme autant de trouées, autant de figures. Images narratives et images visuelles, dans une proximité d'esprit dévoilent leur abîme, leur vertige, les capacités qui sont les leurs de se tordre, s'inverser, se creuser pour concourir à l'expression d'une vérité convulsive.

L'oubli m'a frappée. Avec une force aussi brutale que celle que je venais de donner. À demi somnolente, j'ai réussi à me traîner un peu plus loin sur un carré d'herbe fraîche. Allongée, ventre à terre sur l'herbe légèrement humide, sans comprendre exactement ce qui m'arrivait, j'ai senti à quel point les forces me manquaient, mes bras ont entouré ma tête, mes yeux sont restés tournés en direction du canal. C'est là que tout a commencé. Par bonheur, j'avais eu la présence d'esprit de détacher mon foulard noué trop serré autour de mon cou et, tandis que mes yeux reposaient sur l'eau, des échauffements sur mon visage juste à l'endroit de la brûlure sur ma joue m'ont ranimée, je suis revenue à moi secouée par de petits rires mécaniques. J'ai rampé jusqu'à l'eau et je me suis penchée au-dessus du canal.

J.L

Philippe Blanchon | Sous les marronniers de Vénétie

arnaud maïsetti — 2013-01-17T21:35:00Z

Quatorzième texte dans la collection Arts et Portfolio que je coordonne avec Jérémy Liron.

Une seconde fois, on accueille un texte du poète Philippe Blanchon ; et une seconde fois, on fait ce pas de côté en proposant une œuvre qui pourrait sembler loin du portofolio de plasticien. Mais si la langue est une matière, et le verbe sa plasticité, et si l'art en tout opère sur la toile du réel ses mouvements de salut, ces pas de côté nous sont aussi essentiels pour comprendre davantage le regard — et les figures du monde qui peuvent s'y déposer.

Philippe Blanchon, sur Publie.net

– On peut se procurer l'ouvrage
— sur publie.net directement
— sur le store d'apple
— sur les sites d'Amazon, ou la Fnac
— chez les libraires indépendants en ligne ePagine, ou Feedbooks

Philippe Blanchon est poète et écrivain, il est né en 1967. Il a publié Le poème de Jacques suivi de L'Ambassadeur aux éditions Mona Lisait en 2001, La Nuit Jetée en 2005 et Capitale sous la neige en 2009 aux éditions l'Act Mem, Le livre de Martin aux éditions de la Nerthe en 2010, La Salamandre aux éditions de la Termitière en 2011, volumes qui constituent les fragments d'une vertigineuse fiction en vers dite depuis plusieurs voix et semblant devoir s'étendre sans fin. Ses poèmes antérieurs ont été repris sous les titres Le reliquat de santé (La Courtine, 2005) et Janvier (La Part Commune, 2009). En 2009 il nous confiait Manifeste, publié initialement chez Publie.net dans la collection Portfolios.

Éditeur, il a publié plusieurs textes inédits d'auteurs majeurs de la poésie moderne, William Carlos Williams, E. E. Cummings, Jean Legrand, Eugenio Montale, Italo Svevo, Herman Melville, ou encore Charles Olson, notamment.

Préface

Les gares ont odeur commune.
Le corps se meut différemment pourtant
(pression atmosphérique
décalage atmosphérique
comme le temps traversé et le temps
parcouru par la montre coïncident).
Philippe Blanchon

Depuis quelques années, les livres que publie Philippe Blanchon, hormis quelques rares exceptions, s'attachent à un vaste et exigeant ensemble dans lequel la poésie déploie tous ses modes, de l'épique au dérisoire, du lyrisme à l'ironie, convoquant les grands symbolistes russes, comme les modernistes, les figures tutélaires de Musil, Khlebnikov et Joyce. Philippe Blanchon a tout le long multiplié les figures récurrentes auxquelles comme une arborescence viennent s'en ajouter de nouvelles, comme autant de points d'énonciation en lesquels se perdrait la figure de l'auteur, le livre s'énonçant depuis cette multiplicité, diffracté, incluant tout autant la fiction que les références littéraires et poétiques qui l'habitent. Après avoir confié à Publie.net son « Manifeste », nous accueillons aujourd'hui un nouveau texte singulier présenté cette fois-ci comme un roman en vers. S'il n'appartient pas à ce cycle poétique qui fait le cœur de son œuvre, s'y manifeste la même exigence, s'y creuse un même abîme dans un livre qui se dévore allongé à plat-ventre sur le lit.

Yvan, éditeur, répond à l'invitation de Quentin à se rendre dans le sud de la France. Quentin aurait retrouvé le manuscrit auquel leur ami commun, Jan, faisait allusion dans ses écrits : Jacques le Navigateur . Jan est décédé, il a laissé une oeuvre romanesque et des poèmes publiés par Yvan. Ce poème retrouvé par Quentin est-il bien une oeuvre de jeunesse de Jan, exercice qu'il pensait avoir détruit, ou s'agit-il d'un poème inconnu du XVIIe siècle écrit par un certain Joachim de Limoges ? Quentin raconte son enquête à son ami, sa rencontre avec une ancienne maîtresse de Jan, avant de lui confier le manuscrit. Yvan est préoccupé par son histoire finissant avec Anne. Alternance de passages narratifs et de monologues. Les points de vue se multiplient : d'Anne, de Quentin, d'Yvan. Des extraits du poème retrouvé, des souvenirs révélés par des lieux et des lettres enfin de Jan écrites à ses deux amis, de Venise, traversent ce "roman-panique" procédant de mises en abîme et de quêtes.

Jérémy Liron

Parution de

Détails

Contributeur : Philippe Blanchon (Auteur)
Publication : 12/01/2013
Langue : Français
Collection : Art & portfolios
ISBN : 978-2-81450-498-1
Description

Louis Imbert | Faces

arnaud maïsetti — 2011-09-02T14:23:26Z

Treizième texte dans la collection Arts et Portfolio que je coordonne avec Jérémy Liron.

Louis Imbert, Faces, sur Publie.net

Louis Imbert est né en 1982 à Suresnes.

Journaliste, il a travaillé en Iran, en Asie Centrale et en
Afghanistan pour la presse écrite et la radio.

On peut le suivre sur son blog samecigarettes.

Préface

Disons que ces images me fascinent justement parce qu'elles
opposent une part de silence têtu aux récits du monde.
Louis Imbert

À parcourir des photographies, on lit autant l'histoire ra-
contée par l'image, que l'autre, celle qui l'a produite,
celle qui l'a prise – et qui manque, nécessairement, dans
l'image : tout cet arrière-plan, ou plutôt ce hors-champ
qui l'a permise.

Exception dans notre collection portfolio, le livre de Louis
Imbert ne comporte aucune peinture, aucune image, aucune photographie : ce n'est pas même un texte sur la
photographie, ou l'image – mais seulement un texte tout
entier construit sur sa recomposition, mentale, fantasmatique, manquante : écrite.

On a tous, désormais, nos photographies dans nos ordinateurs : les images personnelles, celles d'autres qu'on emprunte, côtoient peintures numérisées, photographies de
presse, celles qui marquent et deviennent la signature
d'une époque, ou plus intimement d'un rapport personnel à notre époque. Les récits que ces photos racontent
sont une part de notre histoire : brassage intime et universel dont notre regard est en retour constitué, ou pour
ainsi dire armé, quand il faut envisager le monde.

Et si les photographies nous dévisageaient aussi ? Si les
images possédaient leur propre mémoire ? Que notre
mémoire était déposée en elles ?

La mémoire des images – exercice douloureux que celui
d'essayer de recomposer de mémoire telle ou telle image
vue, même celle qu'on connaît le mieux. Mais qu'on la
retrouve, devant soi, à l'écran, et cette mémoire soudain
s'abolit dans l'évidence immédiate qui ne connaît aucune
durée pour s'établir, dans l'instant. Alors, quand L. Imbert écrit l'image, à nous refusée, c'est ce double jeu de
mémoire et d'oubli qui se confronte, et se fait face.

Le texte de Louis Imbert, dans sa vitesse, sa précison, sa
faculté à se saisir de quelques images données (peinture
de Bonnard, photographies de Depardon ou de Alex Majoli, photos de guerre aussi) pour chercher en elles, et au-
delà d'elles, quelque chose qui pourrait percer le mystère
de leur fascination dit puissamment ces jeux de regards et
de mémoire que fabrique la photographie dans nos imaginaires et nos vies. Récit qui cherche à interroger, sous les
images, la fascination que quelques-unes exercent sur le
regard qui s'y anéantit : processus de regard qui rejoint,
en l'amplifiant, celui que la lecture opère. Ce qu'on lit
dans une image : tout un récit immédiat, linéarité toujours recomposée selon la course de l'œil qui la parcourt, récite à chaque nouvelle vision une nouvelle manière de
disposer de cette histoire.

En creux, se lit un autre récit, plus intime, celui que l'auteur, journaliste, voyageur, entre l'Europe, l'Asie et les
États-Unis, livre, à chacune des images évoquées qui finissent par produire étrangement une sorte d'autoportrait
en autres visages.

Un texte composé d'images, donc, sans qu'aucune des
images racontées ne soit reproduite ici – c'est qu'à la face de
ce livre, en son revers peut-être, se joue la recomposition,
pour chacun de nous, d'images que nous ne connaissons
pas, mais qui finissent, peu à peu, par nous regarder : et
d'autres, que nous connaissons mieux, et que nous voyons
prendre d'autres visages, apparaître sous d'autres faces.
Écriture enfin de l'image, qui est un signe fort dans notre
collection, quand elle aﬀronte le geste de voir avec celui
d'écrire : ou quand la face interne de l'image regarde et
appelle sa formulation impossible qui l'écrira.

« À parcourir ces images, je ne débusque rien. J'ai la tête
étroite, une idée neuve c'est chose rare. Je tourne. Il y a
ce mouvement qui ne va pas jusqu'à comprendre. Je
cherche une relance, comme à écouter en boucle tel pan
de musique pendant des heures pour cela qui à tel instant
m'élance. Et puis j'oublie, je sens venir. Justement ça qui
appelle la phrase. »

Arnaud Maïsetti

Postface

Des images posées, piquées aux murs, dans le décor de la
ville ou de votre intérieur, dans les motifs, dans les journaux et dans les livres. D'autres qui remuent à la télévision,
à la surface d'un écran. Des images qui sont des objets du
monde. Et certaines parfois qui le creusent. Certaines qui
ouvrent leur espace propre, qui appellent ce dont elles témoignent là où elles se manifestent mêlant les lieux et les
temps, ou qui manifestent leurs qualités d'images, leurs
qualités propres dans leur façon de témoigner et qui les fait
excéder tout témoignage, toute vocation documentaire.
Qui vous retiennent. Des images qui finalement créent
un monde dans le monde, qui vous habitent autant que
vous les habitez, qui vous regardent autant que vous les
regardez.

Le texte de Louis Imbert est le livre d'un regard posé sur
ces images qu'il collectionne et sonde jusqu'à espérer
qu'elles livrent quelque chose, qu'elles se disent. Des
corps, des hommes, des visages surtout et quelques vues
qui portent un peu du corps et du visage de qui les a forgées. Et comment ces visages se compliquent d'être pris
dans l'image qui fait par-dessus eux un visage encore,
une « figure ».

C'est sous le titre de « visages » qu'il nous a d'abord con-
fié ce texte avant de lui préférer celui de « faces » et ce livre tout entier se tient dans cet écart en lequel jouent les
images : entre la pure présence, ce « point de fascinante
étrangeté » en lequel elles se tiennent et ce qu'elles convoquent et font sinuer en nous. Je me souviens de cette
préface par laquelle Artaud présentait une exposition de
ses dessins et de ce qu'il insistait sur la diﬃculté de peindre un visage ou plus probablement de l'incarner. Cette
phrase : « le visage humain n'a pas encore trouvé sa fa
ce ». De Holbein à Ingres, dit-il, des portraits qui ne sont
toujours que des « murs épais », mutiques. Si l'ambition
d'Artaud est de passer de l'autre côté de ce mur qu'est le
portrait, pour essayer d'atteindre le visage que le portrait
masque, de « forcener le subjectile » ou de ne pas se laisser trahir par ce subjectile qu'est la page, force est de
constater que les images photographiques quelquefois dérobent au fond du mystère mutique de leurs faces quelque
chose qui pourrait bien être un visage et qui alors vient à
nous.

Souvent la photographie a manifesté l'influence visuelle
des tableaux dont les compositions et les gestes la hantent. On a en mémoire la photographie de Georges Mérillon connue sous le nom de Pieta du Kosovo dont les lumières, l'expressivité des poses et des gestes lèvent des
souvenirs de Caravage. Ce titre de Faces, c'est appuyer
sur ce en quoi les images dressent des regards aveugles
auxquels nos propres regards s'aﬀrontent. Toute la tradition iconique de l'incarnation, la Véronique de Philippe de
Champaigne. Ces images auxquelles on bute. Retenir ce
mot de « faces », c'est dire comme les images ont des regards qui vous repoussent, qui font que dans leur fixité il
vous semble qu'elles ne font toujours que s'éloigner, devenir lointaines, étrangères. Qu'elles s'esseulent. Mais
c'est dans ce mouvement paradoxal qu'elles nous ouvrent
au travail du regard et alors ce que l'on verrait sourdre
des images ce ne serait pas une seule présence fascinante,
mais « le toucher pensif en quoi elles changent la vue ».

Au fond, j'étais enthousiaste d'accueillir dans la collection
Portfolios précisément ce livre sur l'image, sur notre rapport aux images et qui ne contiendrait matériellement aucune photographie, un livre qui précisément travaillerait à
tracer le portrait (forcément subjectif) de ces faces qui
nous hantent et en lesquelles parfois un visage nous semble familier.

Jérémy Liron

Thomas Vinau & Florent Lamouroux | Les Murs

arnaud maïsetti — 2011-08-23T18:51:29Z

Ces derniers mois, la collection portfolio, que je coordonne avec Jérémy Liron, rassemblait ses forces, remettait à niveau ses gabarits et ses formats – merci à Gwen Catala pour l'aide précieuse, à François Bon bien sûr pour l'accompagnement et la confiance.

Désormais, on est paré, côté technique (mais ne pas hésiter à nous faire part de vos retours), pour publications plus régulières : c'est important. Pour nous, qui essayons d'ouvrir les dialogues entre plasticiens et auteurs ; et surtout pour les artistes eux-mêmes, qui pourraient trouver dans cette collection une manière d'exposition permanente en ligne, accessible via abonnements et dans les bibliothèques qui nous font confiance – cette collection portfolios : une façon neuve pour les plasticiens de présenter une démarche et de la proposer librement en dehors des galeries ou des catalogues.

Soit donc ce dixième texte de notre collection Arts et Portfolio : cinquante ans après la construction du mur de Berlin, plus de vingt ans après sa disparition, Berlin, ses murs, fascinent toujours. Le Mur : image centrale d'une ville que l'Histoire a faite mur : aujourd'hui, revanche de la ville sur le mur, ce sont les artistes de cette ville qui en ont repris possession : des dizaines d'entre eux, anonymes souvent, par jeu, par défi, en ont fait une toile immense sur laquelle ils fabriquent leur propre ville, scripturale, mentale, fantastique.

L'artiste Florent Lamouroux pose son regard sur ces murs : photographies qui sidèrent pour ce qu'elles laissent voir, mais aussi pour ces choix de cadres qui recomposent en retour ces murs et leurs signes – double regard. Et regard encore doublé par l'écriture de Thomas Vinau [1], dont le texte multiplie encore les recompositions du paysage-ville en notant une sorte de légende fuyante, écho lointain des cicatrices illisibles laissées sur ces murs comme autant de blessures, comme autant de marques visant à se réapproprier la ville.

Très fier et très heureux d'accueillir ce beau projet, ce dialogue fort, dans notre collection.

Ci-dessous, la préface rédigée par Jérémy Liron.

Le texte est disponible directement sur le site des éditions Publie.net
Et bien sûr, merci de nous soutenir en vous abonnant…

Toute cité est un état d'âme. Berlin est féconde, à ce que l'on m'a dit, en vastes murs aveugles dressant dans la ville des pans semblables à celui-là qui obséda Bergotte dans la vue que Vermeer fit de Delft.

Peut-être la ville s'érige dans ces mystères imposants, délibérément nus, dans cet aveuglement géométrique. Elle y prend sa tournure. On m'a dit aussi que l'ambition des grapheurs est d'y apposer leur marque, chacun plus visiblement que les autres, « bigger than the others ». Pour autant jamais les mots dans leur démesure ne concurrencent les hauteurs et les largeurs que la ville échappe. Hommes et mots criés silencieusement aux murs ne sont que passagers de ce qui en la ville les hante : béton, rumeurs, tumulte, dureté implacable.

Au bout du compte demeurent les murs, un vide, une surface opaque et entêtante. Et par les murs on se regarde soi-même aussi.

Réduite à ces pans, la ville n'est qu'opacité, butée, solitude, immobilité et silence. Les murs « témoignent seuls de par quoi la ville commande à ceux qui la font . » À leur dureté s'adossent les mots, s'inscrivent les présences fugaces, se frottent les corps auxquels s'accroche la folie ou l'ivresse de la ville.

Il suffit d'insérer dans les passe-vues des diapositives quelques fragments des emballages que sécrète la vie urbaine pour que, littéralement, s'inscrive par-dessus et en plus grand encore les slogans, les mots, les logos, les commandements publicitaires d'une fiction impersonnelle.

La ville appelle peut-être aussi ce vide spectaculaire (ou ce spectacle vide). Géométries mornes, marges, signes qui, comme le disait Manoel de Oliveira, « baignent dans la lumière de leur absence d'explication », les images qui adviennent alors sont des objets bizarres, fascinants et étranges, combinaison de signes ou de visées qui nous laissent entre-deux, entre le visible et le lisible.

Jérémy Liron

— Suivre l'actualité du plasticien Florent Lamouroux sur le site de la galerie Isabelle Gounod
— Lire le blog de l'écrivain Thomas Vinau

[1] _Thomas Vinau a écrit un roman, Nos cheveux blanchiront avec nos yeux, qui sort ces jours aux éditions Alma : qui pour parler encore du numérique contre le papier ?…

Dimitri Vazemsky | Poésie/Poesia

arnaud maïsetti — 2010-12-31T17:59:34Z

Neuvième texte dans la collection Arts et Portfolio de publienet que je coordonne avec Jérémy Liron :
à voir sur le site de Publie.net
Merci de nous soutenir…

Un projet comme seuls peut-être peuvent avoir les plasticiens : dans sa radicalité, son évidence, sa folie, et ce qu'il faut bien appeler sa beauté. Porter des lettres grandes comme un homme au sommet d'une montagne, et déposer le mot Poésie au pied des aiguilles d'Ansabère, en vallée d'Aspe, à même la neige des Pyrénées. Projet né de rencontres près de Pau, en 2009, autour des lectures dans le Jurançon, puis qui surgit sur une photogravure et grandit peu à peu — avant de prendre corps l'automne 2010, au cours d'une expédition. Six hommes habillés de noir, chacun une lettre de leur taille en bois rouge sur le dos, ont gravi la montagne : pour seulement y placer le mot de Poésie, et dans le renversement de la dernière lettre, et la coupure de l'accent qui devient le point du i, celui de Poesia.

il dit : « ça aurait pu s'appeler : ‘à vol d'oiseau' »
elle dit : « la réalité n'est jamais aussi linéaire… »
il dit : « seul le projet l'est… »

un silence

elle dit : « ce serait trop simple. »

le projet est un cours d'eau
cherchant son lit
dans des montagnes de réalité.

La force des plasticiens, ce en quoi ils nous sont si essentiels, réside, on le sait, dans le geste qui nous rend visible le monde — celui qui ne se contente pas de le représenter mais dont sa figuration décile nos vieux regards, renouvelle en retour la réalité. Mais quand ce geste est une intervention sur le monde, c'est, plus que cela, une véritable question que pose ‘l'installation' (comment nommer cela ?). Question déjà posée peut-être, mais en d'autres termes, par les artistes du LandArt dans notre rapport à l'espace et au temps, la remise en cause des contours de l'œuvre et de ses frontières avec le monde. Mais question ici reprise dans le geste d'écrire : ce en quoi l'art seul peut se saisir de lui-même dans ses propres surgissements.

Le projet ‘Poesie/Poesia' de Dimitri Vazemski n'est pas l'objet véritable du livre que l'on propose ici (en édition bilingue franco-argentin) : pour cela, on invite à se rendre sur les pages web dédiés (le blog qui a servi de carnets de route, et le site désormais ouvert où l'on peut voir l'installation et ses photographies dans sa totalité). Non, le livre que propose l'artiste à la collection Portfolio est le chemin qui a conduit à l'œuvre, quand bien même ce chemin s'est énoncé après elle. En reprenant les traces, c'est aussi une approche de l'acte de lire et d'écrire : de lire le réel, d'écrire le monde, d'écrire sur lui : c'est aussi un récit d'apprentissage de ce qui est moins un geste d'appropriation du langage qu'une manière d'éprouver sa relation au monde et aux signes qu'on écrit à sa surface. Sous le titre que figure le mot Poésie, la surface de la terre comme couverture de l'œuvre : comme désignation aussi — ou sa légende ?

On ne s'étonnera pas de voir, sous la narration de ce projet, une manière pour le plasticien de se lire aussi, et de lire d'autres textes, ceux qui incitent à écrire et à marcher, deux mouvements ici conjoints, voire confondus : dans l'épaisseur des signes, on rencontre sur la route qui mène aux sommets (ou du moins, juste avant de basculer de l'autre côté de la frontière, juste avant le passage à la ligne), les noms de Mallarmé, de Lorca (le texte est ici traduit en espagnol par Mathias De Breyne), et ceux qui connaissent le travail de Dimitri ne seront pas étonnés de trouver aussi la figure bienveillante du vieil Hugo….

Enfin, comme en surplomb de tout le travail, cette phrase de Duras que l'artiste a voulu prendre au pied de la lettre, pour le défi peut-être qu'elle pose quand on affronte ainsi la langue à l'expérience de marcher sur le monde, pour la beauté du geste, et parce que ces mots contiennent sans doute l'exigence de la poésie :

"Quand j'écris sur la mer, sur la tempête, sur le soleil, sur la pluie, sur le beau temps, sur les zones fluviales de la mer, je suis complètement dans l'amour.”

Arnaud Maïsetti & Jérémy Liron

Bio :

"le jubilant Dimitri vazemsky" (Haydée Saberan, Libération), "possède surtout le talent rare de savoir marier la rigueur du récit à la magie d'images poétiques" (escales des lettres), "pour Vazemsky l'écriture et l'édition sont devenues une seule et même aventure, placée sous le signe de la rencontre et des voyages (le comptoir du livre, liège) "inclassable vazemsky... Ecrivain ? Editeur ? Plasticien ? Dilettante professionnel ou guetteur de sens ? Tout cela à la fois ? On cherche ses livres côté librairie, on les retrouve côté galerie ou musée. on pense qu'il joue avec les mots, et le voilà occupé à jongler avec les images, des photos, à composer de savoureux livres-objets. Bref il cultive l'ecclectisme" (Pays du nord) "Mille projets sont déjà en route. "(Le vrai Journal) "L'homme qui veut écrire une phrase de deux kilomètres de long sur une plage du nord (Stéphane Paoli, France Inter), "n'en est pas à son coup d'essai" (Marie claire)" Il est une sorte de Sophie Calle au masculin" (Geoffroy Deffrennes, La voix du Nord) "un drôle de passionnant jeune homme" (François Reynaert, le Nouvel Obs).

« Le livre ici devient un élément parmi un tout, une tentative de reconstruction de l'expédition/exposition/expérience... le site liste lui toutes les traces photos qui elles se chargent de poser ce qui a eu lieu, assez objectivement, juste avec le cadrage photo... le livre, ainsi dégagé de cette fiction, est devenu un lieu personnel, de ressenti autour du projet, un "état" comme on dit en gravure... »

D. V

Agostini & Liron | Chaque œuvre cherche après ce qui la fonde

arnaud maïsetti — 2010-09-01T15:42:49Z

Huitième texte dans la collection Arts et Portfolio de publienet que je coordonne avec Jérémy Liron :
à voir sur le site de Publie.net - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique).
Merci de nous soutenir…

Le huitième ouvrage de la collection portfolio (en un an d'existence) présente quelques aspects du travail du peintre Philippe Agostini : des toiles, en atelier ou en exposition, et un texte de Jérémy Liron qui les mettent en perspective. Si les tableaux parlent pour eux-mêmes, possèdent une évidence qui échappe autant à la figuration qu'à leur description, l'échange qui se noue entre J. Liron et les œuvres de P. Agostini tient autant d'une interrogation sur la nature de ce travail que d'une relation à elle, relation critique et, faut-il le dire, affective.

C'est qu'il s'agit ici de deux peintres, et que le regard porté par Liron est nécessairement celui d'un artiste plongé aussi dans ce travail avec/contre la matière, la ligne, la figure — de là le frottement de deux regards (l'un regardant, l'autre regardé : mais selon quel point de vue ?) qui font fonctionner la peinture comme pratique, et non pas seulement comme objet clos, discipline définitivement énoncée par ceux qui se prétendent seuls dépositaires de son histoire.

Ainsi le texte, travaillant de l'intérieur la question posée aux toiles (ou élaborée par elles), dépasse-t-il de loin le strict cadre qu'il se donne au début pour traverser, à travers Agostini, un questionnement plus global sur la nature du geste pictural : c'est alors toute une puissance du signe peint qui se donne lire — une tentative de généalogie sans origine de la figure, en tout cas, sans origine déterminée, puisant dans l'origine mouvante, archétypale, immanente, tout un foisonnement de lignes surgies pour celui-là même qui les composent. Ce qui se dessine deviendrait à la fois une confluence entre jonction des origines et appel à l'inconnu au-devant de soi : sujet plié dans la matière qu'il constitue, qui le constitue.

Si Jérémy Liron appelle à lui la pensée, décisive sur ces questions, de Deleuze, c'est à Michaux qu'on pense aussi — cette épaisseur de signes indéchiffrables dont on se met en quête et qu'on ne fait que prolonger, vie dans les plis.

Jérémy Liron, au centre de son texte, rencontre la figure du nœud pour rejoindre les toiles de Philippe Agostini : le nœud comme notion propice à nommer ce qui se joue dans le rapport à la toile et au monde qu'elle envisage — et à notre tour, lecteur, de considérer le nœud de cette relation, de se placer dans ce nœud-là du livre, entre une écriture et un geste, celui de nommer et celui de peindre, sans que l'un ne préexiste à l'autre.

La mue publie.net

arnaud maïsetti — 2010-07-02T17:55:45Z

Au 1er juillet 2010, et plus de deux ans après son lancement, publie.net— la coopérative d'auteurs pour la littérature numérique — continue son évolution.

Depuis quelques mois déjà, l'immatériel avait pris en charge une partie de la gestion informatique des données. Cette fois, c'est une autre bascule : le site, qui était hébergé sous spip, l'est désormais par immatériel, qui permet une gestion plus puissante des méta-données, et une organisation plus centralisée des abonnements.

Si l'interface a été changée, c'est aussi en respectant l'identité visuelle naissante de la coopérative. Au niveau technique et pour le suivi des abonnements, rien ne sera visible pour le lecteur : c'est pourtant un mouvement d'importance qui radicalise et simplifie encore la démarche qui l'a fait naître et l'a conduit.

Publie.net n'est pas une maison d'édition traditionnelle, ou un maillon de la chaîne du livre (même numérique) : mais comme les vieilles librairies — je pense à celle des Parnassiens autour de la boutique de Lemerre, passage Choiseul —, un espace de production et de diffusion de textes, un lieu où le livre n'est plus une forme close de la pensée, mais aussi un vecteur, un des vecteurs, de la construction d'une langue et d'une communauté.

Si publie.net a été fondé par François Bon, c'est aujourd'hui toute une équipe autour de lui et de Fred Griot qui s'efforce de faire vivre cette structure : ce mot de communauté a un sens.

Pratiquement tous les auteurs de Publie.net possèdent un site internet ou un blog : c'est presque naturel, parce le livre n'est que le prolongement, ou l'accompagnement, d'une démarche souvent née (ou en tout cas développée) sur internet. Encore une fois : publie.net n'a pas vocation à diffuser des pdf de livres : mais à essayer d'inventer un usage de la lecture et de l'écriture qui prenne corps dans le champ permis par le numérique, et constitué ensemble.

On le redit ici encore — ce n'est pas jouer le numérique contre le papier : et au contraire : c'est prendre acte de l'articulation essentielle entre les formes et les formats ; avec l'arrivée des tablettes et des nouvelles liseuses, d'autres écritures se feront jour — c'est la vocation de publie.net de les découvrir, de les permettre, aussi, dans une certaine mesure, à notre échelle.

Notre passage Choiseul se trouve donc ici : sur le nouveau site — et merci de mettre à jour vos flux rss : beaucoup de nouveautés à prévoir, et pour ce qui nous concerne avec Jérémy Liron et la collection arts & portfolio, on maintient la cadence à un ou deux titres par mois environ.

Si peu ? Mais c'est parce que le travail sur chaque texte nous demande d'élaborer un objet à chaque fois neuf qui réponde au projet de l'artiste, et parce que chaque texte exige la rencontre de deux auteurs (un plasticien et un écrivain) : rencontre qui possède un rythme qui lui est chaque fois propre. C'est aussi que la collection — et la coopérative dans son ensemble — se préoccupent aussi de travailler sur des textes qu'on aimera défendre et porter.

Ainsi, comme pour la vieille boutique de Alphonse Lemerre au 23-25 du Passage , la coopérative est aussi son imprimerie, et sa librairie, son lieu de réunion et de diffusion : elle produit des textes, développe des collections autonomes, une revue ("D'Ici là", coordonnée par Pierre Ménard), et des rencontres qui leur donnent sens.

La nouvelle impulsion donnée au site va nous permettre de s'appuyer sur l'expérience de professionnels et nous consacrer à l'éditorial.

Pour toutes les informations concernant les abonnements bibliothèques (et particuliers), suivre le bloc-note sur le tiers-livre — et nous soutenir, c'est aussi une manière de valider notre démarche, une forme de réponse politique aussi à ce qui ne cesse d'insulter ce qui donne tout le prix au risque, à la création, à ses dangers pour nommer l'appartenance à un monde et le partager.

Toussaint & Bourrion | Chemins

arnaud maïsetti — 2010-05-23T09:39:17Z

Sixième texte dans la collection Arts et Portfolio de Publienet que je coordonne avec Jérémy Liron : à voir sur le site de Publie.net - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique).
Merci de nous soutenir…

Chemins, Daniel Bourrion, Olivier Toussaint.
PDF29 pages.
ISBN 978-2-8145-0323-6.
Les 10 premières pages à feuilleter librement ci-dessus.
Téléchargement texte intégral 5,99 euros

Le chemin est depuis si longtemps une image de l'écriture qu'elle s'efface souvent sous le prétexte qui l'a fait naître : mais lorsque des auteurs s'emparent littéralement de ce mot pour en faire une forme même de la narration ou de l'incantation, et c'est en retour tout ce qui fonde le chemin comme écriture qui renouvelle notre perception du geste même de nommer, de raconter ; ce mouvement d'appel au monde dans le geste qui voudrait s'en approprier la distance et ce qui la réduit : l'approche du réel.

Chez Gracq, Simon, Michaux, pour citer des désirs radicalement différents de se constituer en cette image, le chemin est convoqué dans sa force de propulsion, en-avant décisif qui emporte : au-devant le monde avalé par la route sous le pas. Sans doute y-a-t-il, dans cette image, le dépôt du vieux mot de vers — le versus, sillon sur lequel passer et repasser ; et en lui interroger ce mystère où le creuset vertical du sol se fait dans l'avancée horizontale du monde.

Chez le photographe Olivier Toussaint, dans les montagnes qu'il arpente, le chemin surgit en ligne de crête, se fraie comme des rides sous la main, sans logique véritable, sans direction sûre : seulement dans le tracé qu'on devine, c'est toute la possibilité d'un horizon ou du sens qui se déploie, difficilement, menacée par l'effacement de tout un paysage — âpreté du chemin seulement dessiné par les marcheurs, et parfois, dans l'abstraction de la photographie qui se pose sur un détail, c'est la pierre même qui se change en chemin, la nature sauvage qui oriente le regard.

Quand s'en saisit Daniel Bourrion, qui travaille sur son site Terres une langue elle-même élaborée en route (et sur son site, on peut d'ailleurs lire les textes comme ils ont été écrits, avec retours, corrections, lettre après lettre, à l'avancée qui la produit), c'est naturel que la photographie et le chemin sont appréhendés d'un seul mouvement, de quelques mots jetés comme la jambe sur la pente. L'articulation de l'écriture et de l'image se situerait bien dans cette tension : se frayer une voie entre deux espaces immenses de solitudes sur un chemin qui en serait à la fois le terme de séparation et ce qui les relie, à gauche et à droite : et au-devant de soi, toute une fin des choses qui s'élancent et qu'on ne cesse pas de ne jamais rejoindre.

Arnaud Maïsetti

Olivier Toussaint est né en 1969 à Strasbourg. A l'issue des l'école des Gobelins (photographie), il travaille dans l'image publicitaire puis gère un gîte de montagne avant de partir explorer le monde en voilier durant une année pour réaliser le documentaire « Des milles et des sens ». Revenu sur la terre ferme, il se consacre à présent exclusivement à la photographie.
- le suivre sur son site.
Né en 1967 en Lorraine, Daniel Bourrion a publié en revues, en recueils, par actions et par omissions. Après les publications d'Une paupière à la fenêtre aux éditions de l'Estocade en 1998, Pose(s) Café, réalisé en collaboration avec Olivier Toussaint et Jean-Christophe Diedrich en 2000, Répons co-écrit avec le poète Saïd Dib pour les éditions de la Dragonne en 2003, ou encore Chemins du vagabond publié aux éditions de l'Arbre en 2004, il migre actuellement vers le tout-numérique et, entre autres, assure une permanence sur le Net par ses Terres… qu'il conçoit comme un atelier à ciel ouvert. Ses derniers textes longs (Incipit, 2008 et En ce soir, 2009) sont disponibles sur publie.net.

Gaucher & Griot | Le grand gribouilleur de cru

arnaud maïsetti — 2010-05-01T10:23:00Z

Sixième texte dans la collection Arts et Portfolio de Publienet que je coordonne avec Jérémy Liron : à voir sur le site de Publie.net - pour s'abonner ou pour vous procurer l'ouvrage (numérique).
Merci de nous soutenir…

Le grand gribouilleur de cru, Sophie Gaucher (dessins), Fred Griot (texte).
PDF écran et eBook (Sony/iPhone), 25 pages.
ISBN 978-2-8145-0309-0.
Les premières pages à feuilleter librement ci-dessus.
Téléchargement texte intégral 5,50 euros.

En choisissant de confronter, dans chaque livre de la collection ou presque, un auteur à un plasticien, nous ne pouvions pas ne pas rêver quelques rencontres idéales, de celles par lesquelles, selon l'analyse désormais fameuse de J.C. Smuts, le résultat se trouve supérieur à la somme des parties. Ou, pour dire plus simplement, de ces rencontres où texte et image dépassent le simple rapport illustratif pour donner à expérimenter une aventure enrichie dont on a peine à dire si elle est d'ordre littéraire ou visuelle, où texte et image se portent mutuellement. Ainsi du Grand Gribouilleur de Cru de Fred Griot et Sophie Gaucher, livre dans lequel texte et dessins se répondent (d'abord le texte inspiré des dessins, puis les dessins s'appropriant en retour le texte) et se prolongent. On sait le travail de langue de Fred Griot, sa longue coulée dans la matière orale, ses sinuosités. On connaissait aussi les dessins de Sophie Gaucher, organiques, difformes, tout en développements, leur rapport curieux avec les mots. On doit avouer qu'il était tentant de les voir essayer un dialogue.

Jérémy Liron

Fred Griot est né à Lyon en 1970, a beaucoup bougé ensuite. Il a inscrit ces mouvements dans un travail sur la langue développé depuis plusieurs années par l'expérience de la scène et par l'oralité. Il a publié aux éditions publie.net Plateau et Vision, suivis de Refonder, Du seul s'enfoncer/ la voix ça/ sous la lampe et VIA entre 2007 et 2009. La plui paru aux éditions Dernier Télégramme en 2009 précède les publications (papier) prochaines de Refonder (avec notes d'écriture) et Plateau, suivi de La voix ça aux éditions Mots Tessons et Maelström. Il codirige avec François Bon les éditions publie.net.

Sophie Gaucher est née en 1984 à Poitiers. Fortement encrés dans l'organique, ses dessins semblent s'engendrer d'eux même, en d'infinies modulations constituant un bestiaire fantastique et drôle. A côté les expériences d'éditions : Mon fournissoir en 2005, Assaut rebelle et Languistique aux éditions Nuit Myrtide en 2007 et 2008, trois petits tours et pis s'en vont, aux éditions Strane Dizioni en 2009, Sophie Gaucher confronte ses graphismes tortueux à l'espace à l'occasion d'interventions in situ. Elle explore depuis peu la céramique.