arnaud maïsetti | carnets

THTR | Lettres à Barbara Métais-Chastanier

arnaud maïsetti — 2018-02-11T15:48:25Z

Pour accompagner la parution de Il n'y pas de certitude, suivi de La Femme® n'existe pas ? de Barbara Métais-Chastanier, ces lettres écrites et adressées à l'autrice, entre juillet dernier et février – lettres parues sur le site de Publie.net, que je reprends ici.

Lire l'article de parution

Comment parler de ces deux monologues, Il n'y a pas de certitude, et La Femme® n'existe pas ? Monologues qui sont deux adresses, terriblement adressées à nous-mêmes et au monde, et qui exigent une réponse – monologues qui, loin d'être des paroles de solitudes, appellent. Cette réponse, je n'ai pu l'écrire qu'en adressant des lettres, au fil de ma lecture (puisque ce sont des monologues qui appellent aussi à leur relecture), entre cet été et aujourd'hui. Autour, le monde bruit de mille secousses. Il faut lui répondre aussi. Lettres qui voudraient en répondre.

Avignon, le 19 juillet 2017,

Barbara,

je t'écris depuis Avignon, sa fournaise épileptique, ses discussions comme s'y jouaient l'avenir du monde, ses ratages pour rien, ses bières tièdes, la solitude. Je suis rue des teinturiers et te lis depuis deux heures, de nouveau, te relisant dans l'émotion intacte de la première fois, et même redoublée, malgré le soin d'avoir préparé cette lecture intérieurement ce matin, mais il faut croire que c'est toujours une expérience, et singulière, de te lire. Je jette quelques mots ici — parce que je te les dois, je me les dois. Une expérience parce que, évidemment, je ne sais rien de ce dont le texte, je crois, témoigne dans son motif, son propos, et sans doute aussi dans tout ce qui t'aura conduit à en mener l'écriture, à en être contrainte : être un homme face à ton texte dévisage, me place puissamment dans ce qu'il ya d'irréductible en soi, rend impossible la reconnaissance, l'identification. Je ne sais comment cela doit jouer, pour une femme, pour une jeune femme : et sans doute n'est-ce pas une bonne question, ou une question juste, et pourtant : ton texte, l'endroit là où il fore et fraie, s'engage dans ces enjeux de l'identité au lieu où précisément j'en suis arraché, et c'est cela qui me semble si essentiel, si terrible aussi, si juste. Parce que si tu vas dans ces espaces de l'identité pour les mettre en pièce, tu défais aussi toute assignation, tout endroit d'où ça parlerait, vers où ça rétablirait quelque chose de soi, de l'autre. […] Et ce qui est le plus juste : de ne rien concéder à un universel qui ferait de l'homme la femme, et le désir un maître-mot slogan qui vaudrait pour n'importe quel corps, la vie pour la mort, toutes ces choses qu'on renverse comme un gant, mais que tu maintiens, dans des devenirs magnifiques, des commencements toujours (La Femme® n'existe pas me bouleverse tant pour cela, et toujours différemment.) Échange avec D*** mardi sur l'adresse : il me dit qu'il lui est désormais impossible de regarder un spectacle s'il n'y avait pas au cœur du propos et de la forme une adresse. Et ton adresse est puissante, Barbara, et tendre et fragile, parce qu'elle ne cesse de s'établir à travers nous (« le théâtre à travers les larmes » ?). Je ne suis pas le tu auquel s'adresse le je, et je le sais et le mesure à chaque ligne : ce qui exige de moi, pour entendre, à la fois à inventer ce tu, et lui ménager une place, en moi, aberrante (« folle de folie »), qui vient peu à peu me dévorer et m'arracher à moi, ENFIN. Et puis il y a des pages qui affrontent, dans les yeux, la vie quand elle est inacceptable. L'inacceptable de la vie, et cette rage de l'inventer autre : comme elle emporte. Si « l'amour est à réinventer », c'est à chaque mot, sans doute, et chaque jour que cela se rejoue, parce qu'avec l'amour c'est la possibilité de l'autre qui se propose, rend possible et habitable le monde, qui commence par deux, « comme l'éternité ». Et si l'amour fait mal, c'est aussi parce que les salauds qui gouvernent ce réel ont trafiqué les mots en nous jusqu'à nous faire croire que dans le mot était l'amour […] J'ai traversé la lecture de tes deux textes comme une page pliée : d'un côté et de l'autre, quelque chose en miroir se renverse — mais je ne sais ce qui est l'endroit de l'envers, et le reflet de son image. […]

Marseille, le 20 janvier 2018,

Barbara,

Je reprends cette lettre qui restera inachevée – comme toujours et c'est aussi pour cela que je t'écris –, relisant de nouveau tes deux monologues dans le vent glacial de Marseille qui pourrait tout emporter (et c'est encore une autre expérience après Avignon, une expérience cette fois de l'emportement et de la fragilité comme le vent, et comme le vent quelque chose qui pourrait soudain tout faire cesser, quelque chose dont on pressent qu'il était là avant et continuera après nous), cet emportement, c'est cela que j'éprouve soudain à ta lecture. J'avais lu dans l'urgence de la rage, cet été, mais sous le vent la rage s'ouvre infiniment à un autre temps, plus long, plus terrible aussi peut-être, plus serein. Dans l'époque sinistre que nous vivons, où qu'on porte le regard, tout semble une lâcheté ou une violence – les affaires, # metoo, les tribunes et les contre-tribunes qui s'écrivent et redoublent l'abjection par la traitrise, l'aveuglement, où tout se mélange et se confond (la séduction et l'agression, l'art, la morale, la justice, la représentation et l'expérience réelle de la douleur) –, oui, tout complote pour l'aveuglement. Ici, on refuse de voir les violences commises ; là, on refuse de voir combien la responsabilité de l'art n'est pas morale, mais politique. Te lire, c'est se trouver face à un regard qui plonge ses yeux dans cette époque et en retour nous permet de voir, de voir mieux : mots qui nous dévisagent en nous donnant la capacité de dévisager le monde. Regard de biais pourtant sur l'époque, un biais vengeur, franc, un biais direct. Te lire en contrepoint de l'époque, c'est voir s'emporter les soubresauts grotesques des positions réactionnaires, voir l'ajustement de la violence là où elle peut être féconde, reprendre possession de la vie qui partout semble reculer. Rêvant autour de l'invention du Bikini, cette marque et cette île nucléarisée, tu écris « Je voudrais comprendre ce passage / le mot de la violence nucléaire / le mot qui signe l'entrée dans l'âge de la destruction massive / devenu le mot donné à la beauté sidérante / à l'imaginaire plastique de la libération et de l'asservissement de la femme. » Ce passage que le monde opère pour violer par le langage ce qui resterait de beauté – celle des ailleurs, de la terre, désormais défigurée par le pire –, il est nécessaire d'y répondre par un autre passage, de renverser par le langage l'asservissement en émancipation, la laideur par une beauté qui ne serait pas sidérante et paralysante, mais mobile, mobilisante, convulsive. C'est – je crois –, ce passage, dangereux et mince, que tu l'empruntes, voles et emportes avec toi, et confies pour qu'on le vole à notre tour, dans l'emportement.

Aix, le 6 février 2018

Barbara,

Je te lis encore : « combien de fois peut-on combien de fois être mis à mort et renaître de son corps combien de fois revivre combien de fois à genoux le fusil du maître placé sur la tempe combien de fois recommencer se dire ça recommence pour que ça continue combien de fois peut-on combien de fois abdiquer voir l'autre abdiquer combien de fois le couteau et la plaie combien de fois fournir le sang à celui qui fourbit ses armes combien de fois peut-on combien de fois ouvrir et refermer la porte sans arracher les gonds combien de fois la nuit dans nos nuits combien de fois le présent braqué dans nos yeux » – et te relisant, je songe (non, pas songe : mais pense) à ce que commence ton texte, en nous, à ce qu'il fait surgir de commencements qui sont autant de ruptures, à cette nécessité des ruptures qui est la tâche, peut-être, historique de notre génération : qu'il faudra rompre et rompre encore pour commencer, rompre et faire rompre, rompre (avec) des gestes et des regards posés sur nous comme des mains plus ou moins baladeuses, et rompre avec les mains, pour rompre (avec) des mots et des pensées figées dans l'esprit du temps qui les prend pour la nature des choses, rompre avec la nature des choses qui prend les choses pour les mots, et les corps pour des objets, et les objets pour la satisfaction immédiate du désir, et les désirs pour des réalités, et ces réalités pour des biens de consommation à usage immédiat, et cet usage pour l'asservissement de tous à soi, et soi pour le centre du monde — rompre avec le centre et avec le monde, si ce centre et ce monde sont ceux-là qui justifient les asservissements –, rompre encore : et se dire que le commencement n'aura lieu qu'au prix de ces ruptures. Et que naissent les commencements qui seraient enfin ceux de notre désir, choisir des lieux où naître, des identités neuves qui seraient enfin les nôtres, des corps qui ne seraient plus ceux des identités de papier, et recommencer cette vie, combien de fois.

Marseille, le 7 février 2018,

Barbara,

ce mot de colère ce matin : ce soulèvement au nom d'une blessure faite à la vie, d'un outrage commis à cela qui nous blesse, ce refus absolu par quoi on prend la parole, non pour nous-même, mais précisément contre le monde qui s'organise, cette parole qui se fait justement parce qu'elle considère que le monde fait défaut, qu'il manque, qu'il nous dépossède de ce qu'on estime le plus précieux en nous – ce mot de colère donc, qui vient, qui ne cesse pas, qui, te lisant, se renouvèle et s'affermit, donne des forces.

THTR | Lendemain de Joseph Danan

arnaud maïsetti — 2016-12-14T11:02:53Z

Parution aujourd'hui du sixième texte de la collection THTR que je co-dirige avec Christophe Triau aux éditions Publie.net. Après Figures Nues de Amin Erfani, Jusqu'à ce que et Balivernes hivernales de JY, Dehors Dedans de Arnaud Rykner, et l'essai sur le théâtre de Christiane Jatahy, heureux de voir naître ce jour Lendemain de Joseph Danan.

Une pièce somme, une sorte de traversée des formes théâtrales mais aussi des secousses de notre temps. Une langue minée par des langages qui l'irriguent. Et une jubilation de lecture, dans l'inquiétude qu'elle suscite aussi en regard de notre histoire.

Lendemain, de Joseph Danan, en disponible en version numérique et en version papier : voir en ligne la page du livre sur la librairie Publie.net

Présentation

L'histoire commence toujours après la fin : on le sait bien. C'est donc au lendemain que commence la pièce : lendemain de fête et de liesse, 13 juillet 1998, un pays célèbre une victoire sportive comme jadis une conquête militaire, dans l'illusion d'une union qu'on prétend sacrée. Sadwell Hall, lui, a choisi cette nuit pour disparaître. On est le lendemain de ce mystère autour duquel s'agrègent les énigmes, et d'abord celle-ci : qui est-il ? On sait seulement qu'il a disparu, et cela suffit pour commencer l'histoire.

Lendemain s'ouvre comme une enquête policière, mais c'est une fausse piste – c'est d'autres disparitions qui surtout ouvriront la pièce en mille directions. Les repères se brouillent, et ce décor de récit policier se révèle bientôt pour ce qu'il est : un décor pour des figures en attente d'une histoire, des ombres pleines de nous-mêmes, tout un théâtre qui se replie sur notre présent.

Car ce qu'on lit peu à peu, imperceptiblement, semble une traversée du théâtre et de notre époque, double traversée l'un par l'autre, et l'une par l'autre dévisagée. Pièce de tous les théâtres, et théâtre qui met en pièces l'écriture même du théâtre, Lendemain possède souffle romanesque et lancées lyriques dans une épaisseur qui met au défi la scène de s'en emparer.

Il faudrait une nuit de théâtre, dit son auteur. On se réveillerait le lendemain, avec cette histoire traversée joyeusement et terriblement, ces théâtres qui implosent et ces êtres qui cherchent dans la nuit à disparaître pour renaître. On serait après. On serait maintenant.
Dans cette course ample à travers les deux dernières décennies, Joseph Danan dessine une généalogie de nos secousses présentes, ces terreurs et ces joies qui signent notre appartenance à ces jours, où les Coupes du Monde de football sont nos événements historiques, qui scandent désormais notre rapport au temps presque autant que des attentats : où depuis vingt-ans, rien ne semble avoir eu lieu que cette imminence dont le texte porte la charge et accomplit.

Et dans l'écriture qui vient porter le fer aux conventions, sociales, politiques, théâtrales, une manière à la fois de s'affronter au présent, et un geste qui voudrait déborder notre époque par elle-même. Puis dans ce geste, on entend ce qui sourd, est latent, tacite, un soulèvement possible (et face au refus de faire « miroiter les différentes facettes du cauchemar », une façon de le dévisager, de lui faire face, aussi).
« Toujours nous serons les habitants de ce lendemain / inhabitable », dit l'Auteur dans le cinquième épisode de la pièce – peut-être faut-il le croire, et venir peupler ce qui se lève autour de nous à mesure que, lisant, nous faisons l'exploration de ce temps impossible qui est le nôtre.

Extrait

comment sort-on d'ici ? / comment sort-on de la nuit ? / savez-vous où est l'issue ? / vous connaissez ma langue ? / connaissez-la pour moi / moi je ne la connais pas / je l'ai oubliée / parlez-moi ma langue
et lui / Pianoman / parlant la langue de la musique / perlant ses notes sur le Steinway / sans fin / sans fatigue / comme si son être exténué n'était plus que musique / entrant en communication avec quels mondes
errant / traversant des rues et des ponts / des quais / des maisons / avançant dans la nuit / passant à travers les murs et les langues / longeant des chantiers / des immeubles en démolition / des grues se détachent sur le fond noir du ciel
là-bas
s'enfonçant encore / dans la touffeur / dans la moiteur qui ne sèche pas ses vêtements / je voudrais dormir et me réveiller
égaré une deuxième fois / recouvert par le
temps réel
les prix du pétrole et Paris feuilleton olympique
la septième victoire annoncée d'Armstrong dans le Tour / et les bombes
notre pain quotidien
s'approchant de notre porte
Londres puis Charm el-Cheikh
puis où vous voudrez / n'importe où dans le monde

ThTr | Balivernes Hivernales, de JY

arnaud maïsetti — 2016-01-08T18:33:27Z

Parution de Balivernes Hivernales, de JY.

Troisième texte de la collection ThTr, chez Publie.net, que je codirige avec Christophe Triau [1].
Se procurer le texte

Balivernes Hivernales naît d'une rencontre : avec la ville et le désarroi qu'on y trouve à chaque pas. Dans le hall d'une gare, sur le clavier d'un piano désormais disposé dans chacune de nos gares et livré à tous, quelqu'un joue en virtuose. Soudain un homme en haillons – un SDF peut-être – se lève et danse.

La pièce puise là, dans le mouvement terrible d'un corps, dans la foule autour qui passe toujours à côté, dans la ville qui bat, dans la musique désaccordée : une image et son désir. L'image d'un tournoiement qui remet le dehors à sa place. Le désir d'approcher le monde dans la brutalité élégante qui pourrait lui résister.

Dans cette pièce, autour de cette ville qui est la nôtre – et qui pourtant est inacceptable –, dix monologues dialoguent avec leur vie, leur voix, leur arrêt ici, sur la scène levée par ce texte.

Balivernes Hivernales poursuit le dialogue de JY avec le théâtre et cette esthétique du désarroi entrepris avec Jusqu'à ce que, sa première pièce, publiée chez publie.net en 2014. C'est la deuxième saison : l'hiver. Elle n'est pas sans âpreté ni sans son envers, l'humour, cette élégance du désespoir.

[1] De nouveau grand merci à Jean-Yves Fick pour l'aide à la correction, et à Roxane Lecomte pour la réalisation graphique du livre

ThTr | Dedans Dehors, d'Arnaud Rykner

arnaud maïsetti — 2015-10-01T15:37:00Z

Sortie aux éditions Publie.net, dans la collection ThTr que je dirige avec Christophe Triau, de Dedans Dehors d'Arnaud Rykner.

Il s'agit du troisième de la collection, dont on peut se procurer les ouvrages en ligne.

La pièce d'Arnaud Rykner est disponible sur la librairie Publie.net.

Ci-dessous, présentation de l'ouvrage, et article paru sur le site de publie.net pour présenter plus largement avec cette pièce notre projet.

Merci de nous soutenir.

Une pièce tendue dans la parole : des personnages (des voix plutôt, des corps pris dans le drame de la langue) disent en leur solitude un mot après l'autre le théâtre d'un franchissement. Passer du dedans au dehors nomme ce geste d'écrire et de parler, désigne le théâtre comme ce mouvement même, radical et physique. Passage de seuil : du silence au vacarme, de l'intériorité vers le monde posé de l'autre côté de la scène ou de la page, du passé à l'imminence de sa déchirure à venir, de la haine à l'amour comme il est impossible de le dire, de l'homme à la femme, et de l'enfant au cadavre, du corps de l'acteur à l'acteur de sa voix. Et en tout, un théâtre qui travaille à l'os du langage : briser les convenances pour en arracher la présence et nous la donner.

L'auteur

A côté d'une formation toute classique et universitaire, qui l'a amené notamment à l'Ecole Normale Supérieure, Arnaud Rykner a suivi une formation de comédien. Est-ce parce qu'il n'était manifestement pas fait pour ce dernier métier qu'il est devenu metteur en scène ? et est-ce parce que la mise en scène (comme d'autres le crime) l'a mal payé de retour qu'il est surtout devenu romancier et dramaturge ? La seule chose dont il soit sûr c'est qu'il fut l'assistant et le traducteur de Claude Régy, que lui fit connaître Nathalie Sarraute, l'un et l'autre lui ayant donné quelques raisons d'espérer dans le théâtre comme dans l'écriture. Il a donc publié à ce jour sept romans aux éditions du Rouergue et aux éditions Actes Sud (notamment Blanche, Nur et Le Wagon), ainsi qu'une première pièce aux Solitaires intempestifs. Deux de ses textes ont également été adaptés pour la scène (dont Enfants perdus, par la Compagnie des Limbes). Il a édité le théâtre de N. Sarraute en Pléiade et en poche, et réalisé pour Folio les éditions critiques de plusieurs pièces de M. Duras. Il a publié par ailleurs plusieurs essais chez différents éditeurs, comme José Corti et le Seuil. Sa dernière monographie, Corps obscènes, est parue en 2014 aux éditions Orizons. Quand il n'écrit pas, il enseigne à la Sorbonne nouvelle où il est professeur des Universités.

Le théâtre n'est pas ce qu'on croit.

Par exemple, des pièces. Avec leur lot de personnages et d'intrigue à double tour. Ou des spectacles, avec costumes et décors. Et ces rideaux qui tombent comme des cadavres. Non vraiment. Le théâtre n'est pas ce qu'on imagine. Par exemple, du théâtre.
Sur les scènes d'Avignon cet été, on aura pu voir des plateaux transformés en boue, en cour devant les palais majestueux, et les rues en spectacle permanent de leur propre spectacle. On aura croisé des troupes hurlantes, pleines de foi. Et puis, tout un public qui voulait l'espace d'une heure oublier ce qu'il faisait là. Le théâtre qui se donnait loin était si loin de la vie que le théâtre appelle, suscite, vient défier et parfois venger.

Le théâtre n'existe pas. Il y a seulement ce qu'on en fait.

Car le théâtre ne suffit pas, il ne suffit jamais. Il y a peut-être ce geste qu'on esquisse pour en rejoindre le désir. Celui qui lance des cailloux dans la mer pour en mesurer la profondeur sait de quoi je parle. Il y a ces mots jetés qui dessinent l'espace d'une adresse, et il y a ce temps qui dresse lentement la possibilité du présent. C'est fragile et dérisoire, le théâtre. C'est la seule façon qu'on ait pu trouver pour fabriquer du temps. On peut s'en passer. (Beaucoup s'en passent facilement). Mais c'est le seul lieu qu'on a pu bâtir capable d'accueillir le territoire visible de notre présence. C'est l'unique endroit où la solitude est un partage. Et la communauté une déchirure. Ce n'est rien, en somme. Presque rien. Dans ce presque, on y jouerait la vie.

Il y a ce qu'on pourrait dire sur le théâtre et qui ne suffira pas à épuiser la blessure de voir qu'il est l'art méprisé de notre temps. Du théâtre, on entend dire combien il enjolive certains étés, certaines soirées. Qu'il entoure la parole d'un manifeste éclat. Qu'il est l'art spectaculaire, dans une époque qui cherche frénétiquement le spectaculaire pour se voir lui-même s'effondrer joyeusement.

Soit Dehors Dedans. C'est la seconde pièce du dramaturge Arnaud Rykner, auteur pour le roman, et pour la scène. Du théâtre, assurément, mais lequel ? Pas celui du drame pour salon, ou des tragédies du spectacle, pas des situations aux froissements d'âmes qui se donnent la réplique pour mieux s'entendre parler. Il y a bien une fable, on peut la deviner dans ces paroles lâchées comme malgré elles : un homme, une femme, leur amour brisé, et comment, et dans quelle violence. Dans la fable, l'allégorie de l'amour : ce qui lie et ce qui sépare, ce qui dans la relation abime et accomplit en soi une vérité et sa douleur. Dans cette allégorie, celle du théâtre : la fabrication un mot après l'autre d'une langue, des corps qui pourraient l'endosser. Alors dans cette simplicité, la radicale force du théâtre, des voix qui naissent pour mieux tisser la possibilité de s'arracher du silence. Il y a aussi, dans cette pièce, le silence qui s'écrit. L'espace entre deux mots, entre deux souffles. Il faut l'écrire aussi, ce silence – ici, le théâtre est à la tâche. C'est là qu'il agit. Le vieux désir de Racine : que l'action soit cette tension qui voudrait advenir. L'acte, le geste même qui s'exécute en exécutant la parole.

Osez Dehors Dedans. Le théâtre tel qu'il s'écrit, ou plutôt tel qu'on ne l'écrit pas, tel que précisément on n'ose plus. Entre ces deux espaces que le titre convoque, quelque chose fraie, qui n'est pas seulement le silence. Le moment où apparaître, dit le dramaturge Gao Xingjian, c'est ce battement d'air entre les coulisses et la scène, quand l'acteur devient celui qui va dire les mots qu'il a appris et qui ne sont pas les siens. Le moment de la beauté, dit Arendt : ce moment même de l'apparaître. Entre le dehors et le dedans, la plénitude de ce qui va naître. Des corps qui viendront le dire. Briser le silence en l'appelant.

Oser Dehors Dedans, c'est faire l'expérience que cette pièce raconte.

Sans vous en apercevoir, vous lirez cette pièce à voix haute — à voix basse peut-être, mais hors de vous-même, hors du silence intérieur toujours trop pesant de soi. C'est le miracle de ce texte. D'appeler à ce qu'une voix en vous naisse. Essayez. Théâtre pour cette raison-là, aussi.

Il n'y a pas de théâtre sans l'expérience d'une transformation.

Sur le plateau, les corps monstrueux du théâtre appellent des forces de la présence.

Et sur le texte ? Et sur le texte, comment en appeler à ces forces ? Elles viennent. Entre deux mots peut-être, dans l'espace qui agit entre deux mots.

Ou après le dernier mot.

On ne sait pas. Il faudra l'entendre. Il faudra recommencer.

Publie.net | ThTr — une collection théâtrale

arnaud maïsetti — 2015-03-24T09:48:14Z

La semaine prochaine, lancement d'une nouvelle collection sur publie.net : une collection consacrée au théâtre contemporain, dans toutes ses formes – manuscrits pour la scène ; textes théoriques et critiques ; monographies ; essais ; entretiens…

L'édition théâtrale souffre peut-être davantage que d'autres, dans un contexte qui est déjà à l'essoufflement. Cela tient sans doute à la fragilité même de sa nature, où le théâtre appelle avant tout à la scène, où le texte n'est qu'une part de son geste. Et si on ne possède que des fragments d'Eschyle, si les pièces classiques du XVIIe s. ont d'abord été des copies pirates, si l'édition même de ces derniers n'avait souvent pour but seulement que de les devancer, c'est aussi autour du théâtre qu'on s'est posé avec tant d'acuité la question de l'écriture non pas seulement en terme de droits (mais la naissance de l'auteur lui est contemporaine, pas de hasard dans des époques où il s'agissait aussi d'assigner un texte à un garant), mais aussi symboliquement : l'espace de la scène paraît celui de la diffusion des sens, là où tous ceux qui sur le plateau disent je est précisément l'endroit où l'auteur s'absente de ce je pour le confier.

Aujourd'hui, la fragilité touche à l'économie du livre même : et davantage. Textes peu sûrs de la scène ; textes recomposés au plateau ; textes collectifs nourris d'improvisations et de montage ; textes en forme de note de régie ; textes partitions – partout, dans les écritures les plus vives de notre théâtre, le texte résiste à la scène et au texte lui-même, se pose en défi aux acteurs, à l'écriture.

Mais à côté de cette vivacité qui bouleverse, peu d'éditeurs aujourd'hui pour les accompagner – le temps est partout à la fragilité, et évidemment, on peut comprendre que beaucoup s'appuient sur ce qui déjà est consolidé. Puis, quand un texte paraît, c'est souvent pour accompagner des spectacles déjà financés, produits, joués. Quid des textes en attente d'histoire, comme disait H. Müller ?

C'est un cercle impossible dans lequel la création tend à s'enfermer : les textes qui devraient appeler à la scène ne sont pas publiés parce qu'ils n'ont pas de scène où jouer : et sont joués seulement des textes déjà aidés, ou installer. Comment des écritures peuvent-elles émerger ? Il y a des festivals pour de jeunes écritures, et des paris sur des scènes ouvertes : elles existent. Mais les textes ne sont pas pour autant diffusés.

Quand ils le sont, c'est deux ou trois ans après leur écriture. On est déjà ailleurs, plus loin.

Triple enjeu : faire entendre et lire des écritures ; faire circuler des textes ; appeler à la mise en relation des écritures et des scènes. À ces enjeux se superpose celui de mettre ces textes en réflexion : cette création en perspective. La collection publiera ainsi des textes théoriques et critiques dans cette visée : que la création n'a de sens que si elle permet aussi de rendre lisibles les champs de force qui la constituent et qu'elle met en chantier.

C'est pourquoi on s'attachera à défendre des textes par la diffusion, mais aussi l'appui : accompagnement par des lectures / performances ; soutien à la création de sites d'auteurs ; présentation lors de festivals… Cet été, lors du festival d'Avignon, une présentation de la collection est d'ores et déjà prévue avec des lectures dans le cadre du projet qui associe L'Insensé, site de critique sur les arts de la scène, et la BNF Maison Jean-Vilar. Je présenterai également la collection et les enjeux des écritures théâtrales numériques lors d'un colloque à Strasbourg sur les écritures contemporaines, le 13 avril. Plus d'informations bientôt.

Réponse politique, donc – qui est le sens de cette collection : ou comment certains textes, de création ou d'essais, peuvent nous permettre de nommer ce que sont les secousses de notre présent, et de forer les failles ou d'approfondir les territoires, d'organiser les forces pour le monde qui vient, qui est là déjà.

La collection ouvre ses portes le 8 avril. Plusieurs textes en préparation : on y reviendra. Chaque texte est accompagné d'une courte introduction par un lecteur. En avril, deux textes pour le plateau seront proposés : Jusqu'à ce que, première pièce de JY. (préface de Claude Régy) ; et Figures Nues des monologues de l'écrivain et traducteur Amin Errani (préface de Valère Novarina). D'autres suivront.

Je codirige cette collection avec Christophe Triau, enseignant et dramaturge. Une page dédiée à la collection est d'ores et déjà ouvert. Merci à Roxane Lecomte pour l'invention graphique et la préparation éditoriale – et à Gwen Catala et toute l'équipe de Publie.net, pour les risques pris, et la confiance donnée.

Ci-dessous, texte de présentation de la collection ; et l'avertissement au lecteur rédigé pour son texte par Amin Erfani, manifeste pourrait valoir pour les textes que l'on défendra.

« La collection ThTr publie des textes pour le théâtre aujourd'hui — matériaux pour la scène, essais, critiques, monographies, entretiens… Thtr défend des textes qui affrontent notre présent ou le questionnent par le théâtre : des écritures pour qui le théâtre n'est pas un espace de plus, mais un territoire qui rend plus brûlantes encore ces questions, l'urgence du présent dans la mise à l'épreuve du passé, la possibilité de reprendre possession de ses forces et de le réinventer. »

Arnaud Maïsetti et Christophe Triau

« L'écriture théâtrale qui définit ces textes n'est aucunement régie par les lois du genre dramatique. Elle opère au contraire à la genèse de l'écriture, quelle qu'elle soit. Traversée d'énoncés performatifs plutôt que mimétiques, elle œuvre davantage à jeter de l'ombre, par sa simple énonciation, que de la lumière sur le propos de son énoncé. Elle appelle la matérialité immédiate de la langue plus qu'elle ne cherche à s'effacer par transparence linguistique. Cette théâtralité rappelle aussi le lien le plus intime qu'entretient l'écriture à l'art plastique. Elle conjure la plasticité de la langue originelle, fébrile, parsemée de nerfs, lésée de part et d'autre, sensible. Elle manie la matière de la langue pour mieux la travailler du dedans. Après Artaud, Novarina, ou peut-être même Koltès, il n'est plus question de refouler la dimension profondément tactile de l'écriture, autant sur le plan lexical que syntactique. Il y a surtout urgence à affirmer cette pression subie par la langue qui bute contre ce qui ne cesse de lui résister. L'écriture se façonne alors par cette résistance intérieure, adoptant une forme et une texture toutes singulières, par éruptions rythmiques, successives, imprévisibles. »

Amin Erfani, pour présenter Figures nues